Cuando me enamoré de Anne Hathaway

Su mezcla de dulzura y firmeza a la hora de actuar deja entrever un estilo que más de uno ha llegado a comparar con el propio de Judy Garland y Audrey Hepburn, dos de sus actrices clásicas favoritas.

Teniendo como modelo la clase de Audrey Hepburn y tomando como ídolo a Meryl Streep, Anne Hathaway consigue ofrecer unas actuaciones refrescantes y atractivas que le valen la aprobación de la crítica cinematográfica y del público. De esta forma, Anne ha llegado a ser portada de las mejores revistas de moda internacionales. Su amplia sonrisa, parecida a la de Julia Roberts se ha ganado a unos y otros. En el 2006, incluso la revista People la incluyó en su lista de 50 personas más hermosas del mundo y en el 2008 Lancôme la escogió para que fuera la imagen de su nueva fragancia Magnifique. A pesar de todo, Anne reconoce que no se cuida nada. Como dice: “La verdad, tengo mejores cosas que hacer que preocuparme por mi apariencia”. De hecho, la actriz huye tanto de los cánones de Hollywood que ha acabado estableciendo su residencia en Nueva York. Según ella misma ha declarado, en Los Ángeles está sólo por trabajo, pues no le gusta esa ciudad. Bromea al respecto diciendo que tiene la piel muy blanca y no puede tomar el sol de California. Anne Hathaway siempre tiene tendencia a ayudar a las personas realizando varias labores humanitarias. Así, ha viajado a diversos países en busca de ayuda humanitaria. Su edad y su gran estatura, fueron un inconveniente para conseguir papeles en Broadway, ya que era muy alta para papeles de niños, y demasiado joven para los papeles adultos. Sin embargo, tres días después de actuar en el Carnegie Hall de Nueva York, Anne fue aceptada para formar parte del reparto de la serie de televisión, Asuntos de familia. Aunque ésta sólo duró una temporada, el papel de hermana mayor de Meghan Green le obtuvo muy buenas críticas a Anne y llegó a ser nominada como mejor actriz dramática en los Teen Choice Awards del año 2000.

El salto al cine se produjo sólo dos años después cuando participó en el drama Al otro lado del cielo junto con Christopher Gorham. Pero, antes de empezar su producción en Nueva Zelanda, Anne se presentó al casting para el papel protagonista de Mia Thermopolis en la comedia familiar de Garry Marshall El diario de la princesa. Según cuenta la leyenda, Marshall contrató a la actriz para interpretar a la princesa propensa a los accidentes cuando ella se cayó de una silla durante la audición. El diario de la princesa fue la primera de sus películas que se estrenó. De este modo,la audiencia cinematográfica la vio por primera vez como Mia, una adolescente de San Francisco que descubre que pertenece a la realeza. Trabajando con estrellas tan talentosas como Julie Andrews (como su abuela), Héctor Elizondo (como un consejero) y Heather Matarazzo (como la amiga de Mia), Hathaway demostró una flexible comicidad y un increíble despliegue escénico que, junto con su don de gentes y su amplia sonrisa, le valieron la opinión favorable del público y la crítica. Según cuenta ella misma, Garry Marshall le dio el mejor consejo de toda su carrera cuando le dijo: “nunca sabes si una película va a ser un éxito, así que más vale que lo pases bien rodándola”.

Acto seguido protagonizó un segundo drama con La leyenda de Nicholas Nickleby basada en la novela de Charles Dickens. La película empezó con buenas referencias por parte de la crítica. De hecho, incluso el periódico Deseret Morning News predijo que era una posible candidata a los premios Óscar. Sin embargo, a pesar de la aclamación de los expertos, el filme nunca obtuvo una gran audiencia y terminó hundiéndose en la taquilla norteamericana.

Posteriormente, Anne decidió recuperar su imagen de ídolo para el público infantil gracias a su papel en Ella Enchanted, un nuevo título familiar. La historia se desarrollaba en un mundo mágico poblado de hadas madrinas, ogros y príncipes. Pero, aunque la novela del mismo nombre había sido muy bien aceptada por el público, la película pasó indiferente por la gran pantalla.

En 2004 Anne Hathaway podía haber sido la compañera de reparto de Gerard Butler en la adaptación cinematográfica de El fantasma de la ópera. Mas acabó rechazando el papel debido a su conflictivo contrato con la compañía Disney, con el cual tampoco estaba demasiado satisfecha. Anne repitió personaje en la secuela de El diario de la princesa. Su vinculación con el mundo infantil continuó con la cinta de animación La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja de 2005, donde prestó su voz a la renovada protagonista del cuento. Un doblaje que le sirvió para explotar otra de sus cualidades, pues cantó un tema de la banda sonora. No obstante, recluida al cine infantil, Anne corría el peligro de ser flor de un día y quedar relegada al poco tiempo al olvido. Tomó nota y pronto comenzó a decir en las entrevistas que aunque siempre se la asociaba con el cine familiar, no le importaría aceptar algún papel algo más subido de tono. Y la oportunidad le llegó con la película independiente Caos, donde interpretó a una adolescente rebelde de clase alta que deseaba probar nuevos estímulos y acababa involucrada en el mundo de las drogas y la corrupción. La ruptura con su versión infantil, por lo tanto, fue radical.

Sin embargo, cuando Anne se ganó sus galones como actriz y demostró su madurez profesional fue con su participación en la controvertida y galardonada Brokeback Mountain. Ang Lee la eligió para interpretar a la mujer del personaje de Jake Gyllenhaal. Y de nuevo, Anne no se arredró ante un papel con pocas frases y mucha piel. De esta forma, se apuntó su primer gran éxito en el cine adulto ya que la película obtuvo prácticamente todos los premios a los que estuvo nominada, incluidos tres Óscars de la Academia.

Apenas un año después, en 2006, con The Devil Wears Prada, Hathaway consiguió afianzarse aún más en su ascenso profesional. El papel de Andy Sachs, la joven inocente que llega a Nueva York para trabajar como asistente personal de la voraz e implacable editora de modas Miranda Priestly (Meryl Streep), resultó perfecto para el aire genuino de los ojos y sonrisa de Anne. A pesar de que su papel no aportaba nada nuevo a su registro interpretativo, Anne dio una muy digna réplica a una espectacular Meryl Streep y consiguió no quedar en ningún momento eclipsada por la presencia de la veterana.

Así se planteó su siguiente película La joven Jane Austen (2007) su proyecto más ambicioso hasta el momento ya que por primera vez, Anne aguantaba el peso de la historia completamente sola. En este drama biográfico Anne tuvo que meterse en la piel de la escritora británica responsable de novelas como Sentido y sensibilidad y Orgullo y prejuicio, en las que Jane Austen supo plasmar como pocos el ambiente social y moral de su época.

Desde entonces, la proyección artística de Anne ha seguido un buen ritmo. El 2008 vino acompañado de tres de sus estrenos. Después de mostrar su faceta más dulce con La joven Jane Austen, aquel año la actriz quiso probar suerte con su primera cinta de acción, el remake cinematográfico de la mítica teleserie Get Smart —más conocida como Superagente 86, en el cual encarnó a la mítica Agente 99.

También participó en el drama de Passengers que supuso su primera incursión en el thriller sobrenatural. Pero, cuando realmente se pudo comprobar que su salto a la madurez era permanente fue bajo las órdenes de Jonathan Demme en La boda de Rachel. En este retorno del oscarizado director de El silencio de los corderos, Hathaway tuvo la oportunidad de demostrar su talento interpretativo gracias al papel de Kym, la oveja negra de una familia aparentemente bien avenida. Ojerosa y con el rímel medio corrido, Anne Hathaway tuvo que afrontar uno de los persona es más complejos y atormentados de toda su carrera. El New York Post no dudó en definirla como “la guinda imprescindible de la película” y los críticos poco a poco empezaron a alabarla. Evidentemente,La boda de Rachel confirmaba que aquella actriz perfumada de Disney había desaparecido y en su lugar había quedado una actriz refinada y elegante que apuntaba a ser una gran estrella. Una transformación que fue premiada en varios festivales de cine pero, además, le mereció su primera nominación a los Óscars y Globos de Oro como mejor actriz principal.

Es precisamente en ese momento, cuando una nueva Anne ha decidido volver a la compañía Disney; pero en unas condiciones completamente diferentes. En colaboración con uno de los grandes directores del cine americano, Tim Burton, dio cuerpo a la Reina Blanca de Alicia en el país de las maravillas acompañada por Helena Bonham Carter, Johnny Depp y Alan Rickman.

Mientras tanto, a la espera de la anterior producción, la actriz preparó nuevos proyectos para los próximos años. En concreto, la comedia romántica de Garry Marshall Valentine’s Day, que se estreno el día de San Valentín de 2010. También participó en el rodaje de “Love and Other Drugs” (El amor y otras drogas) dirigida por Edward Zwick, basada en la novela de Jamie Reidy Hard sell: the evolution of a Viagra salesmanque, protagoniza junto al actor Jake Gyllenhaal, donde interpreta a una mujer afectada por el Parkinson que se enamora de un visitador médico, vendedor de viagra. Una de las escenas más calentitas es en el momento que se conocen los protagonistas y Maggie Murdock ( Anne ) muestra su precioso pecho ante la sorpresa de todos!!!!

Sus últimas interpretaciones las podrás ver en El caballero oscuro: La leyenda renace ( The Dark Knight Rises ) Última parte de la trilogía sobre Batman. En The greatest showman on earth junto a Hugh Jackman, un musical acerca de la vida del showman americano Phineas Taylor Barnum fundador del Ringling Bros. And Barnum & Bailey Circus, conocido como “el mayor espectáculo en la tierra”, y de su enamoramiento con la cantante Jenny Linda quién el mismo Barnum apodó “El ruiseñor sueco”. Y en The Fience, donde mi Hathaway interpretará a un mujer que suspende sus planes de boda y rompe su relación con quien parece el “novio perfecto” para tratar de descubrirse a sí misma.No obstante a pesar de sus exitosas interpretaciones, es en esta escena donde verdaderamente me enamoré de ella.

Drive, el mejor thriller del 2011

Excelente thriller, el mejor del 2011 diría sin dudarlo desde que aparecen los créditos en rosa fucsia con una música que parece firmada por Tangerine Dream, ‘Drive’ resucita a los clásicos. Desde el ‘Driver’ (1978) de Walter Hill hasta el ‘Vivir y morir en Los Ángeles’ (1985) de William Friedkin, de un cine que puso al día el código de honor del samurai de Melville y que resucitó Tarantino en Reservoir Dogs. La primera aventura americana del danés Nicolas Winding Refn se desenvuelve especialmente bien en las persecuciones, que despertarían la envidia del mismísimo Michael Mann, y en los bruscos cambios de tono, que definen a su héroe como un caballero andante tan romántico como despiadadamente sanguinario. Una estimulante obra maestra del cine contemporaneo que con la adrelina a tope que uenta la historia de un excelente conductor (Ryan Gosling) que se gana la vida sin que nada le estimule sus existencia hasta que conoce a Carey Mulligan que transmite todo con la mirada y deja a nuestro heroe urbano replantearse toda su existencia, con un aire ochentero, una banda sonora brillante y escenas que se te quedan grabados en la memoria, como la escena en que sujeta un martillo con una mano, mientras le cae una gota de sudor por la frente.

Y todo ello condensado en 90 minutos de película que, efectivamente, es la mejor del año. Al menos, la que más he disfrutado. Así que, te la recomiendo, pero si eres un alma hipersensible, quizá tengas que cerrar los ojos o apartar la mirada de la pantalla en algún momento especialmente escabroso de “Drive”, pero, básicamente, te pasarás la película con los ojos abiertos como platos  y si eres un malo, cuidado porque puede aparecer un tipo con un gran escorpión en su “chupa”.

Lo mejor del 2011 en días de cine

Cecile de France

Es una de las estrellas más emergentes de Europa, Cecile De France encantó al público en una variedad de películas internacionales antes de su debut ganador en Inglés Langauge cine con vuelta al mundo en 80 días.

Cecile De France nació el 17 de julio de 1975 en Namur (Bélgica). Apasionada del teatro desde una edad temprana y participa como aficionada en varios espectáculos. A los 17 años hace realidad su sueño de convertirse en actriz y se traslada a París para asistir a clases de interpretación junto a Jean-Paul Denizon. Paralelamente a sus estudios y sus papeles en el teatro, Cecile participa en diversos cortometrajes y televisión.En 1998 se graduó en la ENSATT (Escuela Nacional Superior de Artes y Técnicas Teatrales de Francia), y es en su último año de estudio cuando fue descubierta por el famoso agente de talentosDominique Besnehard luego de haberla visto en el rol de Electra, en la obra del mismo nombre, parte de un proyecto de la ENSATT.En 2000 desempeña su primer largometraje dirigido por Richard Berry, pero aún debe esperar dos años para que en su participación en “Una casa de locos” sea un verdadero éxito.Su carrera comenzó con los filmes franceses como “L’Art (délicat) de la séduction” (2001)

Una casa de locos, cuyo título original es “L´Auberge Espagnole” en el papel de Isabelle es cuando emerge ante el gran público y le otorgan e Cesar como actriz revelación.

y el premio Louis Lumiere por actriz secundaria dos años más tarde por Las Muñecas Rusas.

El éxito de esta película, añade el mismo año otro hermoso papel en  “Irene”.

En 2003, Cecile cambia de registro en una gran actuación en “Alta Tensión” un thriller en el que interpreta a Marie, una joven de 20 años que es invitada a pasar unos días en la casa de los padres de su mejor amiga. Allí, en una granja aislada, rodeada de campos de maiz, Marie y su amiga piensan encontrar la tranquilidad necesaria para estudiar. Pero no será más que una ilusión; la primera noche llega a la casa una furgoneta conducida por un implacable asesino que masacra uno por uno a los miembros de la familia. Marie decide actuar para salvar a su amiga. Empieza un trepidante duelo entre ella y el asesino.

En 2004 viaja a  los Estados Unidos para jugar junto a Jackie Chan en “El Mundo Tour Du En 80 Días”

En 2005, Cecile De France es la maestra de ceremonias de la apertura y la clausura del 58° Festival de Cannes, donde se muestra que es reconocida por sus trabajos en la gran pantalla y lleva alta su bandera al cine de Francia.

La crítica francesa se rinde en la obra de Nicolas Boukhrief “Gardiens de l’ordre”, junto a Fred Testot. También recibió muy buenas críticas por “Soeur Sourire” donde interpretaba a Jeanine Deckers, la famosa monja-cantante belga, cuyo éxito en la década de los 60 Dominique catapultó a la fama y a la controversia. De France ha trabajado con leyendas del cine como Gérard Depardieu en “Quand j’étais chanteur”; con Ulrich Tuku en “Où est la main de l’homme sans tête”; y otros pesos pesados del cine galo, entre los que destacan Etienne Chatiliez, Cédric Klapisch, Claude Chabrol y Jean-Francoise Richet, que la dirigió en “Mesrine: L’ennemi public nº 1″, con Vincent Cassel.

Cecile consigue dar a sus personajes un toque sofisticado, lo que le vino al pelo a Gérard Depardieu, su compañero de reparto en “Chanson d’amour” (Xavier Giannolli, 2006). Y como no se sobrepone exageradamente en los repartos, resulta idea en películas corales, de modo que volvió a estar ese en uno de ellas, Patio de butacas, a las órdenes de una mujer, Danièl Thompson  Y brilló de protagonista en “Un secret” (2007), dirigida y acompañada por Claude Miller.Lo supo ver el mismísimo Clint Eastwood, al confiar en ella para dar vida a una mujer que tiene experiencia casi de muerte en “Más allá de la vida “(2010).

Con su novio Guillaume Malandrin, Cécile tiene un hijo desde 2007. Seguro que le ha servido para interpretar a una mujer con instintos maternales en El niño de la bicicleta (2011),

una película al fin belga de la actriz, donde le han dirigido los cineastas más famosos de ese país, los hermanos Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne.

Filmografía:2011 El chico de la bicicleta (Jean-Pierre et Luc Dardenne) de Le Gamin au vélo 2011 Un baiser papillon de Karine Silla 2010 Más allá de la vida (Hereafter) de Clint Eastwood2009 Gardiens de l’ordre de Nicolas Boukhrief 2009 Soeur Sourire de Stijn Coninx 2009 Où est la main de l’homme sans tête de Stéphane Malandrin 2008 Mesrine : L’Instinct de mort de Jean-Francois Richet 2007 Les Animaux amoureux de Laurent Charbonnier 2007 Un secret de Claude Miller 2007 Parure, La” (TV Series) de Claude Chabrol 2007 J’aurais Voulu Être Danseur de Alain Berliner 2006 Mauvaise foi de Roschdy Zem 2006 Mon colonel de Laurent Herbiet , 2007 Quand j’étais chanteur de Xavier Giannoli 2006 Sueños de Orquesta (Fauteuils d’orchestre) de Danièle Thompson 2005 Les Poupées russes de Cédric Klapisch 2004 La Confiance règne de Étienne Chatiliez 2003 La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in 80 Days) de Franck Coraci 2003 Résistantes de Eric Rochant 2002 Le Grand appartement de Pascal Thomas 2002 Haute tensión (Alta tensión) de Alexandre Aja 2002 Moi César, 10 ans 1/2, 1,39 m de Richard Berry 2001 A + Pollux de Luc Pagès 2001 Irène de Ivan Calbérac 2001 L’Auberge espagnole (El Albergue Español) de Cédric Klapisch 2001 L’Art (délicat) de la séduction de Richard Berry 2002 Le Mariage en papier, de Stephanie Duvivier 1999 Toutes les nuits de Eugene Green

Web Oficial

la “Melancholia” de Lars von Trier

Habrá quien caiga seducido por la potencia visual de las imágenes o por el arriesgado juego con las convenciones del género, aunados ambos aspectos en ese impresionante prólogo wagneriano a base de flashforwards a cámara superlenta, con el que el plémico danés, declarándose nazi en aquella rueda de prensa en Cannes cuando fue presentada su “melancholia”. Las mutilaciones de clítoris no son necesarias, los zorros no tienen motivos para seguir hablando, ni siquiera el Diablo quiere reencarnarse en ser humano alguno pues en la nueva película del director de “Anticristo”, la Tierra y quienes la habitamos estamos abocados a un final infeliz, es decir, a un agnóstico del Apocalipsis. Es la “Melancholia” de Lars von Trier, el “bocas” que juega a desactivar el habitual suspense del cine catastrofista. Y, sin embargo, a sus incondicionales la película les sabe, como la anterior, a poco. La estructura del filme en dos capítulos es más que discutible: el primero recuerda demasiado a “Rompiendo las olas”, tanto en la trama como en los personajes, y su relación con el resto de la trama resulta algo tosca; mientras que al segundo le falta fuerza y capacidad de conmover. Que a la película le falte lo que habitualmente le sobra al cine de su director es tan sorprendente como la propia historia que cuenta. Hay que verla para creerla.Pero si llega el caso de la llegada del fin del mundo me gustaría estar al lado de Kirsten Dunst

Más allá del cine

Siempre que voy a el cine a ver una pelicula de Clint Eastwood, me preparo para recibir una lección de cine clásico norteamericano del mejor. Nunca después de estos visionados me voy de vacío, sino todo lo contrario, sus películas invitan a la reflexión, ahondan en los personajes, los presentan, los desarrollan, y se detienen en todos sus aspectos humanos. Eastwood es un eterno preocupado de la condición humana, y siempre lo ha dejado claro en cada uno de sus cintas, su última realización Hereafter ( Mas allá de la vida), se basa en unos de los temas mas existenciales para el ser humano: la muerte y nuestra relación con ella.  La madurez de un realizador como Eastwood, le permite atravesar como pez en el agua los géneros cinematográficos, siempre manteniendo el interés de la cámara en sus actores y sus sensaciones, está claro que sus planos son manifiestos, y siempre tienen un significado muy profundo, el “viejo” Clint a los 80 años sabe como hacerlo cada vez mejor y es quizás el representante viviente mas grande del cine clásico, desde los parámetros establecidos por Griffith, hasta el eterno amor por John Ford, Clint Eastwood siempre se mantuvo aggiornado con las nuevas tecnologías y dispuesto a usarlas si es necesario.

Hereafter ante todo es una película coral, la cual está compuesta por 3 historias que se presentan por separado, y a medida que la historia camina se entrecruzaran en la trama. El comienzo de la cinta, marca un punto al menos desconocido en la carrera de Eastwood como director. La primera escena nos muestra a una de las protagonistas descansando en un país tropical, Cécile De France que interpreta el personaje de Marie Lelay, una reconocida periodista francesa.Luego de una breve introducción, el director se despacha con una secuencia de cine catástrofe cargada de efectos especiales que retrata de manera estupenda un desastre natural. Esta escena no es algo descolgado ni vanidosa, nada mas lejos de la realidad, el director nos muestra con poderío poético y visual como la protagonista enfrenta una experiencia cercana a la muerte que por supuesto cambia su vida. Punto aparte para Matt Damon y su interpretación de George Lonegan, un psíquico que puede contactar a la gente con sus seres queridos fallecidos. Damon lejos de encasillarse en un sólido actor de películas de acción, puede dejar de lado a Bourne, y redondear una actuación muy humana, lo que habla de un actor muy versátil y camaleónico. Un tema tan complicado y misterioso como la muerte y sus consecuencias, para los que se quedan en el mundo sufriendo las perdidas,y para lo que finalmente descubren que es lo que pasa después, no es fácil de retratarlo en el cine sin caer en bajezas y obviedades. Clint Eastwood va un paso más allá en sus preocupaciones esta vez, y narra con gran solvencia escenas dramáticas que alcanzan clímax muy intensos, lo sobrenatural es la novedad, creando atmósferas de interacción entre el mundo de los vivos y los muertos. Los primeros planos que filma Eastwood, transmiten sensaciones muy profundas, sabe como captar la atención del espectador y tocar fibras íntimas,sus personajes son calmos, humanos, fuertes, curtidos, solitarios. Todo amante del buen cine debería explorar la filmografía de Clint Eastwood, un interesante ejercicio es observar como un icono de los tipos duros en el cine,se convirtió en uno de los mas grandes maestros que ha dado el cine americano que goza de buena salud, y esperemos que siga filmando hasta que la naturaleza se lo permita, algo me dice que todavía podemos disfrutarlo un rato mas. Te quiero Clint !!

Destino, El cortometraje de Dalí

Walt Disney encargó a Salvador Dalí la realización de un cortometraje animado de seis minutos de duración titulado Destino, basado en la canción homónima de Armando Domínguez. El proyecto del que sólo llegaron a rodarse 20 segundos de prueba no cuajó, hasta que Roy Disney y el productor Baker Bloodworth decidieron en 2003 sacarlo adelante.

Salvador Dalí, Disney, Gala y Lilian Disney se abrazan por los hombros y la cintura, en una estancia de la casa del pintor en Portlligat (Girona).

En 1946, el arte de Salvador Dalí y los dibujos de Walt Disney se fusionan en un proyecto de dibujos animados titulado Destino. La colaboración entre Dalí y Disney se materializa en un contrato de trabajo que se firma el 14 de enero de 1946 y que tiene una duración de dos meses. A lo largo de este período, Dalí trabaja de manera oficial a los Disney Studios de la localidad de Burbank (California) y crea los dibujos para Destino. En este proceso también intervienen dos colaboradores de Disney, John Hench y Bob Cormack, con quien Dalí idea y elabora las imágenes que han de ilustrar la historia de amor narrada en el filme.

Carta de Dalí a Disney

La fuente de inspiración para el proyecto de Dalí y Disney es la canción mexicana Destino, de Armando Domínguez. Su letra da cuerpo al argumento de la película y la música acompaña las imágenes en todo momento. A través del dibujo animado, Destino quiere explicar y remarcar la importancia del tiempo mientras esperamos que el destino actúe en nuestras vidas. La historia de amor entre una bailarina y el jugador de béisbol / dios Cronos es el hilo conductor a través del cual se nos muestran las múltiples peripecias que deben suceder antes de que el destino haga su aparición.  Origen del proyecto Debía basarse esta animación una canción mexicana de Armando Domínguez que llevaba el mismo título y muy inspirada del universo surrealista del pintor catalán. Este cortometraje debía integrarse a la película La Caja de música. Se realizaron una situación y algunas pruebas de animación a partir de 1946, pero se abandonó finalmente el proyecto. Realización Después de la salida de Fantasia 2000, Roy E. Disney decidió reactivar el rodaje de esta película. Se volvió a poner en obra, principalmente al estudio Walt Disney Animación Francia de Montreuil, en la región parisiense. Destino debía ser una secuencia de una nueva película musical: Fantasia 2006. Desgraciadamente, el proyecto se abandonó en 2003 después de la salida de Roy. Por fin terminado en forma de un cortometraje de 6 minutos, fue presentado en distintos festivales, y sido precedido a Festival internacional de la película de animación de Annecy en 2003. Se proyectaba un extracto de la película en la exposición Érase una vez Walt Disney, a las fuentes del Arte de los estudios Disney quién se tuvo a las Galerías Nacionales de Gran Palacio a París de 16 de septiembre 2006 a 15 de enero 2007.

Destino se ha podido ver ya en distintos museos gracias a la gira de la exposición Dalí, paintings & Films, que ha pasado por la Tate Modern de Londres, por el MOMA de Nueva York, por el museo de Saint Petersburg, en Florida, por Los Angeles County Museum… También ha parado en Barcelona, Madrid, en Melbourne (Australia) y en Estambul (Turquía). Incluso ha sido nominada a los Oscar.Esta película fue una de las últimas realizaciones del estudio Walt Disney Animación Francia de Montreuil antes de su cierre. El proyecto Fantasia 2006 fue reanudó en 2006 bajo el título Musicana.Ahora sale una versión con tecnología Blu-Ray de la película Fantasía y Fantasía 2000. La versión diamante, como se suele llamar y contiene esta pequeña joya

Dirección: Dominique Monfery Guión: Salvador Dalí y John Hench Duración: 7 minutos Francia, USA, 2003

Natasha Yarovenko

Nació en 1978 en la ciudad de Odesa, Ucrania. De madre Rusa y padre Ucraniano, creció en el seno de una humilde familia de padres ingenieros. Estudió mucho hasta que se graduó como licenciada en filología ruso-inglesa en la universidad de su natal Odesa y durante este tiempo también estuvo viviendo en Moscú.   Acabados sus estudios decidió viajar junto a su familia en el año 2000 a España, estableciéndose en la ciudad de Barcelona. Según la actriz, fue rápido adaptarse porque esa ciudad le era similar a Odesa en cuanto a la forma de vida y el mar. Se considera frágil, pero fuerte al mismo tiempo. En su adolescencia no tubo conciencia de que acabaría siendo una guerrera, a veces ella misma se sorprende de su propia fuerza. “ La vida me ha enseñado a soltar mis dedos y a luchar” dice Natasha en la entrevista publicada por la revista DT nº 173.  Su trabajo se basa en encontrar el equilibrio y la armonía en la vida, continua diciendo Natasha. “ La nominación a los Goya fue un gran estímulo para seguir luchando por mi sueño”.    Sobre el arte de seducir dice que no hace nada especial, no tiene trucos y más bien es una mujer muy discreta. “ No me gusta llamar la atención. Lo que tengo es una energía muy positiva que supongo atrae a mucha gente. Intento ir siempre por la vida con una sonrisa.”

Sobre sus preferencias por los hombres dice que no le gusta que vengan con chulerías. “ No es una cuestión de nacionalidad. Yo prefiero los tipos introvertidos, con una mirada profunda y con un toque de melancolía. Me gusta que un hombre tenga carisma, sentido del humor y que pueda aprender de él y con él.”Natasha es una mujer que le gusta hacer vida de barrio.       “ lo hago mucho más en Madrid. He vivido en Chueca, en Lavapiés, en la calle Mayor, en Malasaña….Me encanta porque tienes todo cerca, sales a la calle, compartes las cosas con la gente, nunca te sientes sola. A barcelona siempre llego cansada tras los rodajes y los viajes. Cuando estoy en casa es para relajarme y salgo de vez en cuando a ver a mis amigos, nada más. Soy como una gatita que se tumba en el sofá y no hay dios que la mueva de ahí. Después de cualquier rodaje acabo agotada, porque soy muy responsable y me entrego a fondo.. En mi hogar necesito ese momento de no pensar y me cuesta mucho…porque mi cabeza no para. Soy de las que no dejan de pensar nunca. A veces estoy harta de mi mente, me encantaría frenarla. Soy muy buena en matemáticas y tengo una mente muy lógica. Jamás pensé que fuera a ser artista. Aunque tenía una una energía muy creativa que no sabía muy bien como encauzar. Me encanta la fotografía. A veces cogía el coche, la camara y me iba a hacer fotos, porque tengo muy buena percepción de las cosas. Pensé que igual ese era mi camino, pero encontré una profesión. la interpretación, de la que me he enamorado.

Su infancia como cualquier niño de su país fue algo austero. “ Me quedé fascinada cuando vi la primera Barbie. Cualquier niña puede ser una princesa, y lo he logrado como actriz gracias a mi papel de Sigrid en “ El Capitán Trueno”. Ojala las niñas, cuando vean la película, sueñen ser como ella. ”Natasha comenta que enamorarse fue el momento que le marcó su vida.” Porque te cambia completamente la manera de ver la vida y de vivirla. En cuanto a las cosas malas, de las tragedias aprendes mucho. He perdido a gente muy querida y estas experiencias me han hecho más sensible, más profunda. Ahora soy muy realista e intento vivir al máximo cada segundo.”

FILMOGRAFÍA

Natasha Yarovenko inició su carrera como actriz en la televisión autonómica catalana, su primer oportunidad televisiva, Tania Gustova fue su primera interpretación que le llegó de la mano de Lydia Zimmermannl en la película televisiva La dona de Gel.

Más adelante debutó en un cortometraje llamado Estúpidos, basado en hechos reales dirigido por Gerard Sinfreu el cual le dio quizá la participación más breve que ha tenido en su carrera de actriz.

En el año 2004 realizó su primer papel protagonista para el cine, Marta, con la película Jóvenes, de los directores Ramón Termens y Carles Torras.

En el 2005 interpreta a Tatiana en los episodios 65,68 y 69 en Ventdelplà, serie dramática producida por Diagonal TV y emitida por TV3.   Teniendo una carrera que quizá iba a un paso tranquilo pero siempre en ascenso es en el año 2007 cuando al participar en la serie Hospital central. Natasha recibe una gran oportunidad al obtener su primera participación en la cadena nacional Telecinco en el capitulo 168 interpretando a Liuva.

Su primer antagónico llega en el año 2008 al interpretar a la malvada Romina, de la serie La Lola emitida por Antena 3, serie en la que participó en 52 episodios.

Ese mismo año Yarovenko es invitada por el Director Julio Medem a participar en el filme Habitación en Roma, en la que se estrenaría como protagonista, compartiendo cartel con la actriz Elena Anaya. Este suceso le supuso una nominación al premio Goya como mejor actriz revelación.

Crítica en fotogramas

En 2010 Televisión española la llama para interpretar en el episodio 18 a Tatiana, en la serie Pelotas.

En 2010 Participa en los dos primeros episodios de la serie televisiva “inocentes” de telecinco. Svetlana es su personaje en los episodios 79 y 144.

Después del enorme éxito de la película Habitación en Roma, el director Antonio Hernández nos sorprende con la noticia de que Elsa Pataky ya no participaría en El Capitán Trueno y el Santo Grial por lo que Natasha (quien llevaba el rol antagónico) toma el papel de protagonista dándole vida a la Princesa Sigrid.

Ricardo Darín en Carancho

La película en la que actúan Ricardo Darín y Martina Gusman había sido la elegida para representar al país en la búsqueda del Oscar de Mejor Película Extranjera. No podrá repetirse la historia que bordó El Secreto de sus ojos, ya que Carancho, el filme de Pablo Trapero, se quedó afuera de la lucha por el premio. La Academia anunció que no pasó a la serie de nueve películas que buscarán llegar a la preselección final para lograr la estatuilla.

Darín estará acompañado por Martina Gusman y Darío Valenzuela y le dará vida a Sosa, un abogado especializado en accidentes de tránsito que está a punto de recuperar su matrícula. Él sabe que, por año, en Argentina más de ocho mil personas mueren por accidentes viales y más de 120 mil resultan heridas en esas circunstancias. Por eso, este hombre acostumbra recorrer a diario las guardias de los hospitales y las comisarías en busca de posibles clientes. Sosa es uno de los integrantes de un turbio estudio jurídico escondido tras la imagen de una fundación de ayuda a las víctimas. Su obligación, en este esquema, es desde captar a los clientes y conseguir a los testigos hasta arreglar con la Policía, los jueces y las aseguradoras. En el ámbito médico donde él se mueve para llevar a cabo su trabajo está Luján, una joven profesional recién llegada a la ciudad que se enfrenta a un mundo que desconoce. En soledad y casi sin dormir, esta médica asume el desafío de aplicar sus conocimientos en ambulancias, guardias y servicios de emergencia.

Sosa y Luján se conocen en la calle, una noche en la cual ella intentaba salvar la vida de un accidentado y él pretendía convertirlo en su nuevo cliente. El amor entre ambos no tarda en surgir pero, a pesar de sus deseos, ninguno podrá mantenerse al margen del turbulento pasado de Sosa.Días atrás, cuando Carancho fue presentada en sociedad, el director de la cinta señaló ante el diario “Clarín” que, a través de este nuevo proyecto que demandó ocho semanas de rodaje, intentó homenajear al policial negro ya que, según expresóTrapero, “a partir de una historia centrada en poquitos personajes se puede hacer un retratosocial”. Si los artistas involucrados en esta propuesta los seducen o tienen ganas de pasar por el cine para disfrutar de un drama donde el amor se mezcla con el policial pero sin llegar a convertir la historia en romántica, no dejen de ver esta história, genialmente interpretada por el gran Ricardo Darín.

GZLo

TAXI DRIVER, are you talking to me?

la Berlinale arranca con la proyección de Valor de Ley (True Grit) de los hermanos Coen. Con el festival de la ciudad alemana da comienzo la temporada de eventos europeos que tendrán su colofón en Cannes. Una edición dirigida por Dieter Kosslick y que contará en su jurado con Isabella Rosellini (presidenta), Sandy Powell, Guy Maddin y Jafar Panahi. Un jurado que tendrá que deliberar quien es la ganadora del Oso de Oro en la sección oficial. Como colofón se presentará la versión restaurada de Taxi Driver creada por el gran Martin Scorsese.

El origen de Taxi Driver hay que buscarlo en la particular depresión que sufría, por aquel entonces, el desconocido guionista Paul Schrader (uno de los mejores directores de cine norteamericano, con obras como Mishima (Mishima. A Life in Four Chapters, 1985) y Aflicción (Affliction, 1997)), tras ser abandonado por su mujer y verse obligado a quedarse sin casa. El camino que recorrió Schrader entre pornografía, alcohol y un anormal gusto por las armas quedó todo plasmado en el guión original de Taxi driver, del que escribió dos versiones en diez días. Fue el mismo Schrader quien quiso a Martin Scorsese tras la cámara, el genial realizador italoamericano, conocido por aquel entonces por haber obtenido recientemente un gran éxito comercial con Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn’t Live Here Anymore, 1974) y haber realizado un excelente film sobre los aprendices de gángsters de “Hell’s kitchen” en Malas calles (Mean Streets, 1973). Así, tras la intervención de Brian DePalma, que fue el encargado de poner a ambos en contacto, Scorsese aceptó fascinado por el guión de Schrader y se puso en contacto con Robert De Niro, con quien ya había trabajado en Malas calles, que se hallaba en Italia rodando para Bertolucci Novecento (1900, 1976 (1))

De Niro, del que se dice siempre que es un fiel actor del método y yo más bien diría, que él es el método. En un descanso del rodaje viajó a Nueva York, se sacó una licencia de taxista y estuvo ejerciendo la profesión durante unos días, para después regresar a Italia a acabar la película con Bertolucci. Una vez integrado De Niro, que recientemente había ganado el Oscar por su magistral interpretación en El padrino II (The godfather. Part II, 1974. Francis Ford Coppola), el film obtuvo el visto bueno de Columbia Pictures y sus productores Michael y Julia Philips. Para la banda sonora Martin Scorsese luchó por tener a Bernard Herrman, autor de entre otras, Vértigo (Vertigo, 1958. Alfred Hitchcock) y Psicosis (Psycho, 1960. Alfred Hitchcock), frente al rechazo inicial del compositor, que al final acabó accediendo. Lamentablemente para ambos mundos, cine y música, Herrman moriría la misma noche en la que acabó la partitura, víctima de una enfermedad cardíaca. Su obra póstuma así fue la sensacional composición que realizó para Taxi driver.

La grandeza del personaje de Travis Bickle, es que todos somos o hemos sido alguna vez cómo él, ese sentimiento de rechazo, de soledad, se hizo patente en el público de los setenta, y es lo que mantiene aún hoy viva la película, por que pese a todos sus defectos, la conjunción Schrader-Scorsese-De Niro, entendió lo que significaba ese dolor y así lo representó en imágenes, trasmitiéndolo a un público que se dividía ante la asimilación e identificación y el rechazo, en especial por la violencia exhibida al final del film. No es de extrañar así que en un gesto sentimentaloide de la academia decidiera dar el Óscar a la mejor película al sueño americano hecho realidad en Rocky, en detrimento del film de Scorsese, así cómo el Óscar a mejor actor póstumamente a Peter Finch por Network, un mundo implacable (Network, 1976. Sidney Lumet), que no a un personaje tan violento como el Travis de DeNiro.

Así Travis es un claro personaje Schradiano como el de Nick Nolte en Aflicción o el de Willem Dafoe en Posibilidad de escape (Light Sleeper, 1991). El desencadenante de la locura de Travis finalmente será la relación que tiene con dos mujeres. La primera, Betsy (Cybill Sheperd), es la persona que él elige para acercarse a un mundo que no le pertenece, sin embargo, preso de la ignorancia, por un lado, y por otro, con ciertas ganas de arrastrarla hacia su particular submundo, la lleva a una Sala X, donde ella primero, lo encuentra divertido por lo atípico de la situación, y luego lo rechaza, sintiéndose insultada, y saliendo del cine escapándose, literalmente de Travis, que la sujeta por el brazo varias veces, sin lograr entender que es lo que había pasado. Luego Scorsese dibuja perfectamente lo que es y siente Travis, cuando en un plano en el que él esta llamando a Betsy para excusarse, Scorsese desvía el plano hacia un pasillo vacío. Eso es Travis: un gran vacío.

La segunda mujer que se cruza en el camino de Travis es la joven prostituta de doce años Iris (Jodie Foster), que una noche se introduce en su taxi llorando pidiendo que la saque de allí, cuando irrumpe su chulo Sport (Harvey Keitel), y por la fuerza la saca del taxi y se la lleva. Esa situación y su posterior encuentro con ella en una habitación, donde Travis es incapaz de tocar a la chica, tras haber negociado con Sport en una escena divertida y tensa a la vez, fruto de la improvisación entre estos dos monstruos de la interpretación (De Niro-Keitel, que en “Malas calles” ya compartieron escena y método de actuación, en otra divertida escena en que los personajes de Charlie (Keitel) y Johnny Boy (De Niro) discuten por las deudas de este último), le lleva a entender su función en la vida: Eliminar a la escoria como un deporte.

A partir de ahí Taxi Driver se dispara, primero Travis compra un montón de armamento en otra inolvidable escena en la que un pasante ilegal le explica que es lo que hace cada tipo de arma, posteriormente mata a un negro que estaba atracando una tienda y empieza a acosar al candidato a presidente, el senador Pallantine (Leonard Harris). Scorsese pasa del excelente retrato de espacio suburbano neoyorquino a la trinidad calvinista enunciada arriba, Travis está preparado. Ha hecho flexiones, ha soportado el dolor de la llama del fogón (igual que hacía Charlie en Malas Calles), se ha fabricado una prótesis para sacar una pistola por la manga, ha escrito a sus padres, ha puesto dinero en un sobre para Iris, se ha afeitado la cabeza a lo mohicano (o a lo punk, como se prefiera) y ha estado jugando con el espejo «Are you talking to me?».

La violencia del final del film llevó a cierta gente a tildar el film de fascista y ultraviolento, al igual que sucediera recientemente con El club de la lucha (The Fight Club, 1999. David Fincher), o en su día con La naranja mecánica (A Clockwock Orange, 1971. Stanley Kubrick). Dicha afirmación, además de ser ridícula, deja claro que esta gente no entendió la película.Las críticas de la época se dividieron entre acusar la violencia y encumbrar el trabajo de De Niro como actor, en esta tendencia escribió Jack Crollo para “Newsweek”: «… de principio a fin, Taxi driver, pertenece a Robert De Niro, el más notable joven actor de las pantallas norteamericanas. La película se reduce a un grotesco pas à deux entre Travis y la ciudad, y De Niro tiene la misma capacidad para ejecutar este paso que han tenido los más grandes actores de cine, ya sea en forma de allegro, como Cagney, o de largo, como Brando. De Niro controla su cuerpo cómo si fuera una escultura en movimiento.» La realidad es que De Niro está sensacional, dando impresionantes muestras de improvisación, además de la escena con Keitel, las dos situadas en los bares con Betsy y Iris y la charla con el guardaespaldas de Pallantine, así como su conocido y ya mítico duelo frente al espejo.

Taxi Driver es fruto de la magia de estos tres hombres (Schrader-De Niro-Scorsese) en una determinada época de sus vidas. Más acertado estuvo Juan Carlos Rentero cuando en el estreno del film en España escribió en el Dirigido por… “Taxi driver no me parece una película fácil o sencilla, sino todo lo contrario: una durísima prueba de fuego del espectador, un fortísimo alegato, una incómoda película que pueda hacer pensar y que, lo que es más grave, puede llegar al fondo de muchas cuestiones en un momento en que el hombre se pregunta la razón por vivir”. Claro que para ser sincero, por mucha admiración que sienta por la revista Dirigido por…, no pudo ser mayor la ceguera del enviado a Cannes, de cuyo nombre no quiero acordarme, de la revista, donde y tras ganar la Palma de oro a la mejor película, escribió sobre ella “A la vista del film quizá hubiera sido preferible que Scorsese hubiera seguido su primitiva inclinación de meterse a cura”.