LA PRINCESA ESTÁ TRISTE, QUE TENDRÁ LA PRINCESA?

Es una de las películas más deliciosas que jamás se han hecho. Si hubiese un museo de obras de arte cinematográficas, “Vacaciones en Roma” debería tener su propia sala.

Es una película modélica, que vista más de 50 años después de su realización, parece mágica. Como si Audrey Hepburn fuese un ángel reclamado para el film y Roma no existiese y hubiese sido inventada y recreada tan preciosa y bella para la ocasión.Dirigida por William Wyler en 1952, “Vacaciones en Roma” (“Roman Holiday”) se convirtió instantáneamente en un clásico del cine romántico. En una de esas películas posteriormente imitadas hasta la saciedad, pero nunca igualadas. Hay algo en “Vacaciones en Roma” que la hace única, irrepetible.

Por un lado un cuento de hadas creado por Dalton Trumbo, el cual nunca apareció en los títulos de crédito por la jodida caza de brujas. Trumbo ideó la historia de una joven e inocente princesa cansada de sus compromisos de palacio, que en su visita por Europa, decide escaparse para descubrir como una romana más, los rincones de la ciudad de Coliseo. En su aventura se topa con un periodista, encarnado con sobriedad, encanto y desenfado por Gregory Peck, el cual ve en la princesa una estupenda exclusiva periodista. Pasaron muchos años hasta que Trumbo pudo ver como se reconocía la autoría de su historia.Para ese cuento de hadas, la Paramount decidió abandonar sus habituales decorados y estudios, para desplazarse hasta Roma y encargar la cinta a William Wyler (que más tarde volvería a Roma, para rodar “Ben-Hur”). Algo nada común en aquella época. Sin embargo, Wyler consiguió que este rodaje en exteriores fuese, al mismo tiempo que una bonita historia de amor, un documento imprescindible para conocer la ciudad italiana y su vida en los años 50. “Vacaciones en Roma” es un homenaje a esta vieja ciudad y a sus gentes, gracias a que Wyler le permitíó, con su protagonismo, ser el tercer elemento en discordia de la cinta, tras Audrey Hepburn y Gregory Peck. Desde aquella cinta, rodar en exteriores y viajar a la Europa más bella como marco de muchas películas, se convirtió en un recurso usual de Hollywood. Eran años en que viajar no era algo al alcance de todo el mundo, y que mejor que el cine para retratar aquellos lugares, envueltos en historias de ficción.

Pero si por algo se recuerda a “Vacaciones en Roma” es por la interpretación de un rostro angelical, un cuerpo delicado y una inocente personalidad. La de Audrey Hepburn. Para ella, esa película también fue un cuento de hadas particular. Era su debut como protagonista en la gran pantalla, aunque para nada lo pareciese.

Tenía 24 años y con solo una película se iba a convertir en estrella, iba a ganar el Oscar a la mejor actriz y a ocupar todas las portadas. Fue la irrupción en pantalla más sorprendente en aquellos años.

Hepburn consiguió ser una personalidad única. No se parecía a ninguna de las actrices de Hollywood, no estaba dentro del patrón que se llevaba en las actrices de la época. Y eso la hizo más grande todavía.Su interpretación en “Vacaciones en Roma” fue dulce. Su química con Peck, perfecta y su recorrido por las calles de Roma encomiable. Durante su aventura de un día enamoró a Peck y a todo el que ve la película, sea en 1952 o en 2006.

Mucha culpa en el resultado final de “Vacaciones en Roma”, la tiene su director, William Wyler. Se nota su buena mano con los actores y su acierto en todas y cada una de las escenas. Su final es redondo, perfecto y maduro. Otorgando a las miradas de sus actores el protagonismo absoluto. Contándolo todo con serenidad y aplomo. Y ese plano secuencia de Peck abandonando el palacio tras la rueda de prensa es todo un ejemplo de madurez fílmica. No es de extrañar, puesto que estamos hablando de uno de los más grandes directores de la historia del cine. En este recorrido romano; el vestuario de Edith Head, ganadora de 8 Oscars, la afable presencia de Eddie Albert, como compañero periodístico de Peck, el guión sensato y romántico, además de todo lo ya apuntado, hacen de “Vacaciones en Roma” un film imprescindible para todo espectador. Nunca es tarde para recordar, revisar o descubrir esta joya del séptimo arte. Una de las cintas más deliciosas que ha dado Hollywood.

The Frost ( La Escarcha )

Esta extraña película de gran estética no se sabe si es mucho menos profunda de lo que pretende o es demasiado compleja para ser entendida completamente. Cuenta con demasiados elementos exagerados y disonantes, que no acaban de encajar ni de tener coherencia durante toda la narración.

Una pareja, formada por un nórdico y una mujer española, que vive en una ciudad de Noruega se enfrenta a la trágica y accidental muerte de su único hijo. El dolor que sienten les lleva a un camino de destrucción mutua y a enfrentarse con la idea de que nunca quisieron realmente a su hijo. Esta adaptación de un relato de Ibsen, realizada por el propio director Ferrán Audí, deambula peligrosamente entre la pseudo-intelectualidad, los simbolismos y la reminiscencia de las películas de Bergman. Aparte de unos buenos valores de producción y algunas conseguidas secuencias aisladas, esta película no aporta nada más que una historia recargada con demasiados elementos dispares, costosos de comprender durante el conjunto del metraje. El aspecto externo de la cinta es de calidad, gracias a su gran fotografía y a una Aitana Sánchez Gijón con presencia. Pero esta rara avis únicamente es accesible a un público muy reducido, no porque sea de gran inteligencia sino debido a que poca gente es capaz de pensar de forma similar a la del director y así poder seguir su desarrollo narrativo. En algunas ideas se atisba a ver de qué influencia sale y hacia dónde quiere ir. Otros elementos casi metafóricos son claros pero muchos no son ni desarrollados ni utilizados con coherencia. El conjunto presenta una buena factura y un mejor aspecto visual, pero su guión sobrescrito y excesivo en demasiados puntos dificulta en demasía un entendimiento coherente de todos los elementos de la historia.

www.thefrostfilm.com

David Carradine

David Carradine asesinado, el Bill de Tarantino que nos enseñó las claves del Kung Fu

Sorprendente la muerte de David Carradine, el Bill de la película de Tarantino “Kill Bill” y maestro del kung fu en la popular serie televisiva, que ha sido encontrado muerto en la habitación de un hotel de Tailandia donde estaba grabando la película “Strecht”.

Carradine, perteneciente a una saga de actores siendo hijo del actor John Carradine y hermanastro de Keith y Robert Carradine, volvía a la popularidad estos días con el estreno de la serie “Mental” en la que encarnaba en algunos capítulos a un particular paciente.

Muere a los 72 años después de haber rodado más de cien películas y en unas causas bastante confusas ya que algunas fuentes (incluyendo el New York Times) apuntan a que Carradine apareció ahorcado con las cortinas de su habitación siendo descubierto por la mujer de la limpieza. Su agente no ha negado esta hipótesis hablando de una muerte impactante provocada por causas naturales. Las últimas informaciones de los forenses apuntan a que el deceso pudo haber sido debido a un accidente sexual masturbatorio conocido como “asfixia excitadora” al ser encontrado completamente desnudo con una cuerda anudada en el cuello y los genitales.

John Arthur Carradine, más conocido como David Carradine, nació el 8 de diciembre de 1936 en California en una familia de actores. Comenzó su carrera cinematográfica en el año 1964 en el western “Taggart”. El papel que le llevó a la fama, y del que nunca lograría desprenderse, fue el del monje Shaolin chino-americano Kwai Chang Caine, en la serie de televisión “Kung Fu” (por la que estuvo nominado al Globo de Oro y al Emmy en 1974). Allí fue el pequeño saltamontes que a lo largo de 63 capítulos acercó la cultura oriental a los hogares de medio mundo. La serie tuvo una secuela a principios de los 90 dirigida, protagonizada y producida por él mismo, “Kung Fu: La leyenda continúa”. Pero Carradine posee una extensísima filmografía que va mucho más allá del personaje que le otorgó en los setenta la fama. Esa serie estuvo a punto de ser protagonizada por Bruce Lee pero fue descartado por presentar rasgos demasiado asiáticos y por su escaso conocimiento del inglés.

La mayoría de sus apariciones en la pequeña y en la gran pantalla han sido dentro de la serie B, pero sin abandonar su vocación teatral por los clásicos y por Shakespeare más en concreto. Durante su infancia fue un niño inconformista al que no le gustaba ser hijo de un famoso. Viajaba de un sitio para otro con la compañía teatral de sus padres y tuvo que cambiar varias veces de escuela. Durante su juventud, se convirtió en uno de los pioneros del movimiento hippy norteamericano y vivía en comunas, alimentándose de productos naturales y llevando un tipo característico de ropa. No quería ser actor sino granjero, por lo que se instaló en Vermont como peón agrícola, aunque más tarde se inclinó por la música y la interpretación teatral y se unió a un grupo escénico del San Francisco College para dar vida a personajes clásicos como el Yago de “Otelo”, “Un enemigo del pueblo”, “La muerte de un viajante”, “Macbeth” o “La tempestad”. Es allí donde descubrió su aptitud para el drama y trabajó paralelamente en el cine y en la televisión. En 1971 el productor Jerry Thorpe le pidió que interpretase al monje Kwai Chang Caine en la serie “Kung Fu”, cuyo éxito lo lanzó a la fama mundial. Ha trabajado en numerosas películas como “Cannonball” (1976), “El huevo de la serpiente” (1977) de Ingmar Bergman, “Alerta roja: Neptuno hundido” (1978) de David Greene, “El desafío del cóndor” (1979) de Barry Brown, y más recientemente “Kill Bill 1″ (2003) y “Kill Bill 2″ (2004) de Quentin Tarantino. Gracias a estas dos películas volvía del olvido (nominación al Globo de Oro incluida) encarnando a un asesino de estilo oriental que no puede superar que Uma Thurman le abandone por otro comenzando una espiral de violencia y de sangre con estética de persecución del Oeste que llevará al personaje de La Novia a encontrar a Bill en una escena final muy recordada. La última película estrenada en España en la que aparecía fue “El gran Stan”, comedia en la que seguía encasillado en el papel de maestro de artes marciales. Para recordarle nos quedamos con la escena final de “Kill Bill”, un momento más que digno para el paso al otro lado…

The Spirtit de Will Eisner

‘The Spirit’, es una película inclasificable de un señor que ha dado tantas alegrías al mundo del cómic. Tras despreciar el mundo del cine, Robert Rodriguez mostró a Frank Miller que sus historias podían quedar estupendamente en la gran pantalla. ‘Sin City’ (2005), sin ser una maravilla, es una película muy interesante, diferente y con cierto encanto. Miller aprendió todo lo que pudo de Rodriguez y, tres años después, se atrevió a realizar su propia película. En mi opinión, una horrible adaptación de la genial Obra de Will Eisner .

Will Eisner creó a Spirit en 1940 y Frank Miller lo destroza casi setenta años después. Lo que se suponía que iba a ser un homenaje a uno de los personajes de cómic más prestigiosos de la Historia, entre otras cosas por las innovaciones narrativas con las que se destapó Eisner, se revela en realidad como una desastrosa película cuyos mayores aciertos ya estaban en la mencionada ‘Sin City’; es decir, la estética, ese regreso al cine negro con las herramientas digitales más avanzadas.

No es que ‘The Spirit’ sea calcada visualmente a la película de Robert Rodriguez, pero se le parece muchísimo; podría decirse que es una versión mejorada, pero sólo en eso, en el apartado visual. Miller parece querer meter al Spirit en su universo de la ciudad del pecado, mezclar la obra de Eisner con la suya, y el resultado es penoso.El sentido del humor de la obra original es uno de los aspectos más perjudicados en la adaptación cinematográfica, y es que Frank Miller no entiende eso de hacer una película para todos los públicos. Su intento de hacer un humor fácil es bochornoso. La cantidad de bromas absurdas y momentos vergonzosos que hay en ‘The Spirit’ son tan numerosos que hacen imposible el disfrute de otras facetas, más acertadas. Se agradece que Miller haya intentado hacer algo diferente a lo habitual, pero podría haberse dejado aconsejar un poco y, sobre todo, haber dejado que un guionista experimentado revisara su trabajo. La cansina voz en off del protagonista, que además repite frases de forma innecesaria, va agotando poco a poco, llegando a resultar de lo más molesta.Pero quizá lo peor de todo, lo más insoportable, son los clones esbirros de Octopus, encarnados por Louis Lombardi. Que sean imbéciles no es lo que agota más, sino que Miller les da más espacio del necesario y hace que hablen varios en la misma escena. En cuanto a Octopus, de nuevo, si no tuviera tanto diálogo vacío y agotador, podría disfrutarse más, y es que Samuel L. Jackson se lo tiene que haber pasado estupendamente con este personaje. Gabriel Macht no está mal como Spirit, cumple, pero su trabajo es difícilmente evaluable en una película como ésta.

Las “chicas” se lucen más y de todas ellas destaca Eva Mendes como Sand Saref, la femme fatale de la historia y antiguo amor de Spirit es una belleza. Lo de Paz Vega es más bien un cameo y bastante absurdo.En resumen, podemos quedarnos con la estética de cine negro y ese aire de cómic en movimiento, con los actores principales, que hacen lo que pueden, y con algún momento aislado (el cameo de Miller o lo del gatito derretido), si queremos ser muy positivos con ‘The Spirit’.

En mi opinión, una película sesenfocada y realizada por alguien que no entiende el cine, que se pensó que dirigir una película era poner en imágenes las viñetas que salían de su cabeza y no es eso, ni de lejos. Por último, recomendar humildemente, desde aquí, al señor Frank Miller que revise comedias clásicas (Lubitsch, Capra, Hawks) y que antes de dar por sentado que sus bromas son graciosas, pida una segunda opinión. ‘Buck Rogers’ llevará su firma, esperemos que haya aprendido algo.

Pero en el comic The Spirit es simplemente genial. Este es el adjetivo que mejor define la serie de más prestigio del espléndido Will Eisner.

The Spirit es una joya del noveno arte que, como ocurre en muchas ocasiones, empezó pasando desapercibida, para acabar siendo un punto de referencia en la evolución de la historieta. En esencia, las aventuras de creadas por Eisner se basan en la figura de un particular detective: The Spirit. Spirit es un ayudante de la policía, se trata de un antiguo detective llamado Dennys Colt que es dado por muerto por uno de los malo malísimos propios de la época: el Dr. Octopus. Como buen superhéroe -después lo matizaremos-, tras su primera muerte viene un renacer. Colt decide esconderse tras un minúsculo antifaz y sus ya clásicos sombrero y guantes, revelando su identidad a tan sólo dos personajes que le acompañaran a lo largo de las viñetas: el jefe superior de policía, el viejo Eustace P. Dolan y su inseparable ‘escudero’ –elemento propio también de otros superhéroes como Batman- el jovencísimo Ebony, un muchacho de color dedicado por completo a ayudar a su admirado Spirit.

Hasta aquí, podríamos que se trata de la clásica serie del momento donde un superhéroe enmascarado se enfrenta a los peligros de la Humanidad. Pero, Spirit es diferente. Las palabras de Eisner nos marcan perfectamente donde reside la diferencia: “(Spirit) era humano y luchaba contra el crimen en el mismo entorno que los superhéroes, pero él se ocupaba de delitos de poca monta, de delitos que afectaban a la clase media. Spirit es un justiciero enmascarado y sin poderes, pero que no le impide enfrentarse a criminales menores –Spirit no se dedica a defender la Tierra defendiendo a gente corriente y siempre dispuesto a ofrecer su ayuda al comisario Dolan.Pero, si por algo merece la pena leer las aventuras de Spirit es por su fase narrativa. Eisner se dedica a experimentar a través de las páginas que dibuja y escribe, cada aventura del detective tiene una estructura propia y extraordinariamente rica para lo que se hacía en la época. Cada página es un nuevo experimento de cómo narrar una historia, desde las aventuras en que Spirit se infiltra en un grupo de gangster hasta historias en que Spirit desaparece dejando el protagonismo al divertido Ebony. Los guiones están sumamente elaborados y además de su atractivo por la historia que generan, también contienen una irónica y crítica visión de la sociedad, especialmente de las grandes ciudades expresadas metafóricamente a través de Central City, donde vive nuestro protagonista. Eisner recrea a la perfección los ambientes de esta ciudad- que nos llega a recordar a la peligrosa Gotham de Batman- a través de la luna llena, los simétricos y altísimos edificios, los espacios que recrean el título de la historieta, las podridas cloacas o las magistrales escenas de lluvia.

Asimismo, los singulares personajes dibujados por Eisner nutren estos guiones. Son personajes humanos, Spirit esta lleno de debilidades, de dudas sobre su rol y sino pensemos en el personaje de Ebony –¡incluso va a buscar trabajo!-. Las mujeres de Eisner también merecen unas palabras: son mujeres preciosas –parecidas a las que creaba Milton Caniff que nos recuerdan ala clásica representación de la femme fatale tan clásica dela serie negra de los años 40 en Hollywood y, frente a éstas, la hija de Dolan, Ellen, bella y ingenua prometida de Spirit, quien también coquetea con otras mujeres que aparecen en las viñetas.

Y, los ‘ malos’ dejan de ser tan malos, son pequeños gángsteres, timadores, ladrones sin fortuna o seres de fantasía: científicos, monstruos de los mares, caballos parlantes, etc.Y, todo ello, complementado por una increíble fase gráfica, con un dibujo excelente –con un manejo soberbio del blanco y negro. Se nota la influencia del cine, no sólo en la forma de narrar las historias –uso del flash-back, de la narración en primera persona o del narrador omnisciente-, sino en el dibujo de perspectivas con profundidad de campo, ángulos extraños picados y contrapicados y un uso del primer plano, dando importancia al rostro ya la expresión facial –cómplice esencial del lector-

y unos movimientos que sin ser de la espectacularidad de los grandes superhéroes, gozan de un gran realismo y gran fuerza expresiva. Todos estos factores son los que configuran estas fabulosas aventuras que no son sino una extraña y magistral mezcla de humor negro, parodia de género, violencia, crítica, tragedia y disparate. Podríamos seguir hablando sobre muchos otros aspectos de este cómic como son sus impresionantes primeras páginas que nos sitúan en la historia a través de dibujos a página entera que son auténticas obras maestras por si solos, o los juegos con el lenguaje a través de la descomposición de la página, a través de formas narrativas diferentes –como la historia de la vida de una ametralladora- o la inclusión de falsos anuncios de periódico alrededor de la historia que no hacen más que mostrarnos la gran capacidad creativa de Will Eisner.

Si tienes oportunidad, por favor mirar esta obra de arte, ” contrato con Dios”.Simplemente Genial.

Jason Statham – Un tipo duro

Jason Statham se pone en la piel de Charles Bronson en ‘The Mechanich’

The Mechanich, de 1973 será el próxima remake de Bronson. El año pasado ya se informó de que este remake también estaría en manos de Stallone, pero ahora resulta que según Variety (lamentablemente) lo estará en las de Simon West. Así que ya podéis ir imaginándoos una película más parecida a Con Air y Tomb Raider, y mucho menos sombría y dura que la original, a pesar de que precisamente esté producida por Irwin Winkler y Robert Chartoff, los hombres detrás de la primeraThe Mechanich.Jason Statham nació en Londres el 12 de septiembre de 1972, y desde muy joven, la acción y el ejercicio físico han formado parte de él, pues ha practicado artes marciales

Nacido en Sydenham, Inglaterra, Jason Statham ha sido uno de los mejores nadadores del equipo británico. Quedó tercero en competiciones olímpicas en tres ocasiones diferentes, ocupando el puesto número 12 en el ranking mundial. Mientras entrenaba en el afamado Crystal Palace National Sport Center en Londres, Jason Statham trabajó con diversos fotógrafos y equipos de rodaje en campañas publicitarias para prensa y televisión. Uno de esos trabajos fue para French Connection, donde conoció al dueño de la compañía que era a su vez productor ejecutivo de una película en preproducción, Lock & Stock, en 1998.

Tan contento se debió quedar el director con el buen hacer de Statham, que le convocó para su siguiente proyecto Snatch. Cerdos y diamantes.una cinta de acción con tintes de comedia, protagonizada por Brad Pitt, Benicio del Toro y Dennis Farina. Statham, en el papel de ‘ El Turco ‘, se dedicaba a organizar combates de boxeo prohibidos.

La acción y el thiller empezaban a ser los géneros que mejor le iban a este joven londinense, como El único (2001), protagonizado por Jet Li; aunque también hubo hueco para el drama de Turn it up y la ciencia-ficción de Fantasmas de Marte.Pero Transporter , de 2002, fue la película donde Jason Statham se ganó la celebridad.

Gracias a su cuerpo, que mantiene en forma y musculado, pudo protagonizar las complicadas secuencias de acción.  En el film interpretaba a Frank Martin, un experto conductor que se dedica a transportar mercancías, y se ve envuelto en una peligrosa trama cuando encuentra en el maletero de su coche a una joven amordazada. La cinta tuvo una secuela en 2005, y hace escasos meses se estrenó en los cines la tercera parte de la saga.

Entre medias, Jason Statham no ha desaprovechado la oportunidad de participar en The Italian Job (2003), un remake del film homónimo de 1969, dirigido por F. Gary Gray, donde tuvo el honor de compartir pantalla con Charlize Theron, Edward Norton, Mark Wahlberg y Donald SutherlandTras una breve intervención en Collateral (2004), Statham apareció en Cellular de David R. Ellis y Revolver , de nuevo, esta última, a las órdenes de Guy Ritchie, un thiller de ex convictos vengativos.Caos (2006) y Cranck, veneno en la sangre (2006), se unían también a la larga lista de cintas de acción que el joven actor hacía como churros, pero quiso probar suerte en 2005 con un drama romántico, London. Oscura obsesión, junto a Jessica Biel y Chris Evans. Y en 2007, se adentraba en el terreno épico y de aventuras con En el nombre del rey , una cinta sobre ejércitos, guerreros y magos de la Edad Media. En este film compartía planos junto a Leelee Sobieski, John Rhys-Davies, Claire Forlani y Ron Perlman. Pero la acción y los golpes eran lo suyo, y no tardó en volver a colaborar con Jet Li en El asesino , donde volvía a hacer gala de su estupenda forma física. También hizo The Bank Job , un thriller de Roger Donaldson, director de La prueba. Además se puso al volante en Death Race (La carrera de la muerte) , una trepidante cinta de acción sobre conductores, con potente carga de violencia y velocidad. A sus 36 años, la carrera de Jason Statham es imparable y ya prepara la secuela de Crank, en fase de postproducción; y The Brazilian Job, con la que repetirá junto a sus compañeros, pero para ésta habrá que esperar a 2011 aún. En su vida privada se muestra discreto y no se conoce demasiado de ella, salvo que tiene un hermano, que sus padres viven en Gran Canaria, y que estuvo saliendo con las actrices Kelly Brook y Sophie Monk. Actualmente, mantiene una relación con una joven que nada tiene que ver con el mundo artístico.

De todas formas, no todo iban a ser malas noticias, y lo mejor (al menos para mí) es que la estrella de la película será nada más y nada menos que el siempre duo durísmo Jason Statham. Porque sinceramente, ¿qué otro actor actual se os ocurre que pueda soportar sobre sus hombros la sombra de Bronson? Muy pocos, y casi ninguno como Statham que de tan bien el perfil de tipo duro protagonista de pelis de serie B de los 70. Venga, os cuento la trama a continuación…Un veterano asesino a sueldo llamado Arthur Bishop es contratado para matar a Big Harry, uno de los hombres importantes de su propia organización. En el funeral de Harry, Bishop se encuentra con su hijo, Steve y acabará haciéndose cargo de él. A la sombría organización a la que pertenece Bishop esto no le parecerá bien, y las cosas acabarán volviéndose previsiblemente sangrientas. Vamos, que The Mechanich es la típica película que se puede esperar de Bronson y de Statham. Habrá que ver en qué queda todo esto…

Gonzalo Villar

DECADENCIA MORTAL

Ian Curtis tenía 23 años cuando se suicidó en su casa de Manchester, el 18 de mayo de 1980. Su banda, Joy Division, sólo había editado un disco, Unknown Pleasures, pero su sonido oscuro y sus letras pesimistas ya les proyectaban como uno de los grupos punteros del bullicioso Manchester de finales de los 70. Entre su legado brillan joyas como Transmission, Atmosphere y, sobre todo, Love will tear us apart , una bella balada. Al parecer, la epilepsia, el fracaso de su matrimonio y la depresión fueron demasiado para el joven Curtis.

El fotógrafo holandés Anton Corbijn vivió aquellos años en Manchester y fotografíó a Curtis junto al resto de la banda (Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris) en varias ocasiones. Casi 30 años después de que el post-punk conmocionara Manchester, Corbijn, famoso por sus retratos de U2, Depeche Mode y Coldplay, entre otros, ha rodado la vida de Curtis en Control, un biopic de dos horas en blanco y negro, que fué presentada en la 60 edición del Festival de Cine de Cannes, fuera de competición, y que entusiasmó a la crítica.

 

La mayor sorpresa de la cinta, según la prensa especializada, ha sido la interpretación del desconocido Sam Riley, de 27 años, que exhibe un sorprendente parecido con Curtis y que ha conseguido transmutarse en el enigmático líder de Joy Division. “Sam Riley ofrece una actuación soberbia como Ian Curtis, y recrea intuitivamente sus gestos en escena”, señala el crítico del diario británico The Guardian Peter Bradshaw.

Curtis cantaba impostando una voz profunda, con la boca pegada al micrófono y a menudo bailaba como sacudido por espasmos eléctricos. Su imagen se convirtió pronto en una de las señas de identidad de la banda. “Riley, que también ha sido cantante en un grupo, posee el carisma intenso para ser el líder de una banda de rock. Mantiene el tipo junto a Morton, mayor y con más experiencia, especialmente cuando el papel requiere que la mayor parte del conflicto emocional sea interno”, señala Stephen Dalton en Times Online. La actriz Samantha Morton (Minority Report), la única estrella del largometraje, da vida a la mujer de Curtis, Deborah (cuyas memorias, Touching from a distance, han servido de punto de partida al film) y Alexandra Maria Lara encarna a la amante del vocalista, la periodista belga Annik Honoré. Completan la historia, además de los compañeros de la banda, el irónico manager Rob Gretton, el productor prodigioso Martin Hannett, y el periodista Tony Wilson, impulsor del sello Factory Records y de la mítica sala The Haçienda. El propio Wilson es el protagonista del falso documental 24 Hour Party People, de Michael Winterbottom, que recrea la efervescencia musical del Manchester de los 80 y en el que se menciona la muerte de Curtis. La biografía Torn Apart, publicada el año pasado por los periodistas Mick Middles y Lindsay Reade, sugiere que la medicación para la epilepsia, la sensación de haber fracasado como marido y como padre (acababa de tener una niña con Deborah) y la depresión pudieron empujar a Curtis al suicidio. “Una experiencia incómoda” “Riley ve a Curtis no como un melancólico obsesivo y autodestructivo sino como un romántico wordsworthiano frustrado que amaba a dos mujeres por igual, y que simultáneamente deseaba y temía perder el control: una vía de escape hacia la música y una vía de escape de su cuerpo”, ha resumido Bradshaw. Riley es ex miembro del grupo Ten Thousand Things y ha preparado el personaje visionando imágenes de las actuaciones de Curtis e incluso visitando la National Society for Epilepsy para estudiar los efectos de le epilepsia. “He pasado mucho tiempo ante el espejo ensayando movimientos de baile”, ha revelado Riley. Los tres compañeros de Curtis en Joy Division, que luego se reconvirtieron en New Order, una de las formaciones más influyentes de la música dance de los ochenta, asistieron a Cannes para apoyar la proyección de la cinta, entre rumores de que se van a separar definitivamente. “New Order pocas veces de ponen de acuerdo en algo, pero todos están de acuerdo en que les ha encantado el film”, ha señalado el director en The Guardian. El ex baterista de la banda, Stephen Morris ha explicado lo que sintió cuando se enteró de que Curtis se había ahorcado: “Supongo que fue una conmoción pero no lo recuerdo así; fue sólo ira, la ira de que [Curtis] pudiese ser tan estúpido”. “Lo que sucede cuando alguien se suicida es que deja muchas preguntas sin responder a la gente que queda atrás”, ha añadido. Corbijn ha llevado a cabo el rodaje como una obsesión personal y ha financiado parte de la cinta con su propio bolsillo. Los cuatro millones de euros que ha costado los han pagado entre el propio fotógrafo, capital privado y Warner Music, según los productores. “Ha sido duro”, ha explicado Corbijn a The Guardian, “pero era mi primera película y eso a veces da miedo a la gente. Pero es una historia muy inglesa, y parecía apropiado conseguir financiación de Inglaterra”. Tras la muerte de Curtis, la banda publicó Closer y, más tarde, el recopilatorio Substance. Fueron poco más de dos años de vida, pero Joy Division dejó temas duraderos, como Transmission, She’s lost control, Atmosphere, These days y, sobre todo, Love will tear us apart. Su legado influyó a numerosas bandas, desde U2 a The Killers y Franz Ferdinand.         Gonzalo Villar

“MAKE MY DAY”…Clint.

De tipo duro, a uno de los mejores directores de Hollywood. Eastwood presenta su último trabajo. “Gran Torino”

Cuando vi esta peli intuía que iva a ver por primera vez el alma de Harry Callahan.Walt Kowalski, el veterano de la Guerra de Corea racista, machista y crispado que protagoniza su anunciada despedida de la interpretación, es, en buena medida, el eco de un arquetipo que Eastwood inmortalizó cuando casi nadie sospechaba que en él latía el pulso de un clásico contemporáneo.En la distancia que separa a Callahan de Kowalski dentro de la cronología de la reivindicación crítica de Eastwood está el problema esencial de una película como Gran Torino: hubiese sido deslumbrante encontrar un trabajo así cuando nadie tomaba en serio a Eastwood y no cuando es preceptivo sacar la vara de medir que uno reserva a los clásicos contemporáneos cada vez que se estrena una de sus películas.  Gran Torino” es una historia sencilla que ves venir bastante, con una primera media hora de comedia con Clint Eastwood haciendo de vecino racista y machista que se ve rodeado de inmigrantes asiáticos que llenan el barrio. Clint no se lleva bien con nadie y vive con el rifle en la puerta. Es incorrecta y graciosa con una interpretación de Clint impresionante que es toda la peli. Es dramática y lo que cuenta no es fácil, no esperes una comedia después de la primera media hora. La vi muy a gusto por él. Me entretuvo y la seguí hasta el final pasándolo bien.  En otras palabras, Gran Torino se ve lastrada por su forzada condición autoconsciente de despedida ritual. Cuento moral (que no moralista) sobre la redención, el sacrificio y la posibilidad de construirse un memorable mutis por el foro tras una vida en claroscuro, Gran Torino combina hondura y subrayados fastidiosos, discutibles opciones de estilo y poderosos momentos en los que se revela el alma rota de Harry Callahan.

Clint Eastwood es un hombre discreto, pero se deja conocer a través de su magnífica obra. Nacido en San Francisco el 30 de mayo de 1930, su infancia es muy dificil, marcada por la Gran Depresión, en una familia muy humilde. Personalidad timida y de muy pocos amigos, paso casi toda su juventud en Oakland, donde se interesó por la música hasta el punto que aprendió solo a tocar el piano y que amaba los sonidos del Jazz y el blues llegando a actuar con mucha frecuencia en algunos localesDesenpeño varios trabajos cuando le llaman a filas en la guerra de Corea donde ejerció como instructor de natación. A su regreso, se casa con la modelo Maggie Johnson con quien permaneció hasta 1978, en este mismo año entra en la plantilla de actores de la Universal.  En el año 1958 consigue su primer trabajo en la televisión, el segundo papel más importante de una serie ambientada en el oeste e inspirada en el clásico Río Rojo (1949), este trabajo le duró siete años y le empezó a dar cierta popularidad. Su gran golpe de suerte le llegó, curiosamente, a través de una oferta europea para hacer de protagonista en un western en el desierto de Almeria, España, bajo la dirección de un tal Sergio Leone.

El éxito de la primera película, Por un puñado de dólares (1964), hizo que continuara la colaboración de los dos, así vendrían éxitos como por ejemplo: La muerte tenía un precio (1965), El bueno, el feo y el malo (1966).Decide probar suerte como el director y lo hace con Escalofrío en la noche (1971), una especie de thriller obsesivo a cerca del acoso que sufre un discjokey por parte de una admiradora. Trabajó en esta primera época con actores de la talla de Richard Burton, Lee Marvin, Shirley MacLaine, Teddy Savalas y Donald Sutherland, consagrándose como una estrella del celuloide.

El mismo año rueda Harry, el sucio (1971) a las ordenes de Don Siegel, donde interpreta al inspector Callahan, un personaje que acabara por hacerle compañía en buena parte de su carrera como actor y del cual hasta llegará a dirigir personalmente una de las secuelas menos atractivas, Impacto súbito (1983).Después siguieron algunos westerns en los cuales intentó lavar la imagen que arrastraba desde los de Leone, Infierno de cobarde (1973) y Licencia para matar (1975), solo sirvieron para comprobar que Eastwood empieza a dominar el oficio. La primera película dirigida por el, sin intervenir como actor

La relación sentimental entre Sondra y Clint, terminaría en 1989 debido a su romance con la también actriz Frances Fisher . (Sin Perdón o Titanic), con la que tendría una hija. Siete años después terminaría casándose con la periodista Dina Ruiz.En Cazador blanco, corazón negro (1989) hace un complejo homenaje a John Huston, interpretándolo el mismo en la pantalla, bajo el nombre de John Wilson, y haciendo una adaptación muy libre de una novela de Peter Viertel que recuerda el rodaje de La Reina de Africa (1951). Una vez expuesta su visión del jazz en Bird, vuelve una vez más al terreno del western con Sin perdón (1992), una historia sobre la violencia y sus consecuencias. Esta película se convierte en un sorprendente éxito y certifica la consagración con cuatro Oscar, entre ellos al de la mejor película y mejor director.Y llega Los puentes de Madison (1995), donde el mastrazgo de Eastwood llega a su punto más alto, desaparece la acción definitivamente para dejar la pantalla libre a los sentimientos, a la gran interpretación de Meryl Streep, primera mujer protagonista de su filmografía, y de la suya propia. Sorprendió hasta sus críticos más acérrimos, convirtiendo un best-seller en una muy bien actuada historia adulta de amor. No sólo dirigió esta película sino que mostró su costado romántico junto a Meryl Streep y también contribuyó a las composiciones de la banda de sonido.También han sido muy ensalzadas por la crítica internacional Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), Space Cowboys (2000) y Mystic River (2003), coprotagonizada por Tim Robbins, Sean Penn y Kevin Bacon. En 2005 recibió dos premios Oscar por Million Dollar Baby,a la mejor película y al mejor director. El propio Clint Eastwood protagoniza esta cinta junto a Hilary Swank, que obtuvo por su interpretación el Oscar a la mejor actriz, y Morgan Freeman, que también fue galardonado con el Oscar al mejor actor secundario    En El intercambio, película protagonizada por Angelina Jolie que el gran director presentó en el último Festival de Cannes. Se trata de un thriller ambientado en los años 20 sobre una madre cuyo hijo es secuestrado. Y en febrero llegará Gran Torino, que dirige y protagoniza, sobre la relación entre un viejo racista y un joven asiático. Clint habla sobre la etapa de gran efervescencia creativa que está viviendo y su fascinación por lo femenino.  Quizá, la única “función” sensata del cine sea hacernos mejores personas. El cine de Eastwood, anclado en la búsqueda moral de la rectitud, encuentra su grandeza en plantear las grandes cuestiones que afligen al ser humano sin dobleces ni artificios. Es lo que logra, de nuevo, con El intercambio, una película portentosa sobre una madre (Angelina Jolie) que, tras sufrir el secuestro de su hijo, debe enfrentarse a la corrupta policía del Los Ángeles de finales de los años 20 cuando ésta le devuelve, como si fuera el suyo, un niño distinto. Es el planteamiento de una epopeya emocional de dos horas, filmada casi como una película de terror, en la que Eastwood, ayudado por el espléndido guionista J. Michael Straczynski, la fotografía de Tom Stern y la bellísima partitura musical creada por él mismo, reflexiona sobre cuestiones esenciales como la existencia del Mal, la fragilidad de la civilización, el nacimiento de la cultura de masas o la fina línea que separa lo que entendemos por locura y cordura.  Jolie, más bella que nunca, es la reina de una película de una dureza extrema que deja al espectador con un agujero en el estómago y la sensación de haber asistido a un carrusel sobre la bajeza y la grandeza humana que deja al mismo tiempo exhausto y bendecido. El ganador de cuatro Oscars, director de Sin Perdón (1992) o Million Dollar Baby (2004), recibió a El Cultural en Cannes para hablar de esta película y también sobre Gran Torino, que estrena el próximo 20 de febrero, donde vuelve a ejercer como director y también como actor, en la piel de un veterano de la Guerra de Corea, racista y amargado, que se empeña en llevar por el buen camino a un joven vecino origen  asiático.

Eastwood actualmente reside en la localidad californiana de Carmel, de la que fue alcalde entre 1986 y 1988. Web Oficial:http://www.clinteastwood.net/

FILMOGRAFIA Como actor:* El Gran Torino 2008 * Million Dollar Baby 2004 * Deuda de sangre (Blood Work) (2002) * Space Cowboys (Space Cowboys) (2000) * Ejecución inminente  (True Crime) (1999)   * Poder absoluto (Absolute Power) (1997)   * Los puentes de Madison  (The bridges of Madison County) (1995)   * Un mundo perfecto  (A perfect world) (1993)   * En la línea de fuego (In the line of fire) (1993)   * Sin perdón  (Unforgiven) (1992)   * El principiante (The rookie) (1990)   * Cazador blanco, corazón negro (White hunter black heart) (1990)   * El Cadillac rosa (Pink Cadillac) (1989)   * La lista negra (The dead pool) (1988)   * El sargento de hierro (Heartbreak Ridge) (1986)   * El jinete pálido  (Pale rider) (1985)   * Ciudad muy caliente (City Heat) (1984)   * En la cuerda floja  (Tightrope) (1984)   * Impacto súbito  (Sudden Impact) (1983)   * Aventurero de medianoche  (Honkytonk Man) (1982)   * Firefox (Firefox) (1982)   * Any Which Way You Can (Any wich way you can) (1980)   * Bronco Billy  (Bronco Billy) (1980)   * Fuga de Alcatraz (Escape from Alcatraz) (1979)   * Duro de pelar (Every wich way but loose) (1978)   * Ruta suicida  (The gauntlet) (1977)   * Harry, el ejecutor (The enforcer) (1976)   * El fuera de la ley             (The outlaw Josey Wales) (1977) * Licencia para matar             (The Eiger Sanction) (1975) * Un botín de 500.000 dólares             (Thunderbolt and lightfoot) (1974) * Harry, el fuerte             (Magnum Force) (1973) * Infierno de cobardes             (High Plains Drifter) (1972) * Joe Kidd             (Joe Kidd) (1972) * Harry, el sucio             (Dirty Harry) (1971) * Escalofrío en la noche             (Play Misty for me) (1971) * El seductor             (The Beguiled) (1971) * Los violentos de Kelly             (Kelly’s heroes) (1970) * Dos mulas y una mujer             (Two mules for Sister Sara) (1969) * La leyenda de la ciudad sin nombre             (Paint your wagon) (1969) * El desafío de las águilas             (Where eagles dare) (1969) * La jungla humana             (Coogan’s bluff) (1968) * Cometieron dos errores             (Hang ‘Em High) (1967) * Las brujas             (Le Streghe) (1966) * El bueno, el feo y el malo             (Il buono, il brutto, il cattivo) (1966) * La muerte tenía un precio             (Per qualche dollare in più) (1966) * Por un puñado de dólares             (Per un pugno di dollari) (1964) * Cuero Crudo             (Rawhide) (1959) Serie de TV * Ambush at Cimarron Pass             (Ambush at Cimarron Pass) (1958) * La escuadrilla Lafayette             (Lafayette Escadrille) (1958) * Escapada en Japón             (Escapade in Japan) (1957) * The First Traveling Saleslady             (The First Travelling Salesday) (1956) * Star in the Dust             (Star in the Dust) (1956) * Zafarrancho de combate             (Away all boats) (1956) * Hoy como ayer             (Never say goodbye) (1956) * Lady Godiva             (Lady Godiva) (1955) * Tarantula             (Tarantula) (1955) * Francis in the Navy              (Francis in the Navy) (1955) * La venganza del monstruo de la Laguna Negra  (Revenge of the creature) (1955)       Como director:   * El intercambio 2008    * Banderas de nuestros padres 2006   * Cartas desde Iwo Jima 2006  * Mystic River (Mystic River, 2003  * Deuda de sangre (Blood Work, 2002)  * Jinetes del espacio (Space Cowboys, 2000)  * Crimen verdadero (True Crime, 1999)  * Medianoche en el jardín del bien y del mal (Midnight in the Garden of Good and Evil, 1997)  * Poder absoluto (Absolute Power, 1997)  * Los puentes de Madison (The Bridges of Madison County, 1995)  * Un mundo perfecto (A Perfect World, 1993)  * Sin perdón (Unforgiven, 1992)  * Cazador blanco, corazón negro (White Hunter Black Heart, 1990)  * El principiante (The Rookie, 1990)  * Bird (Bird, 1988)  * El sargento de hierro (Heartbreak Ridge, 1986)  * El jinete pálido (Pale Rider, 1985)  * Impacto súbito (Sudden Impact, 1983)  * Aventurero de medianoche (Honkytonk man, 1982)  * Firefox (Firefox, 1982)  * Bronco Billy (Bronco Billy, 1980  * Ruta suicida (The Gauntlet, 1977)  * El fuera de la ley (The outlaw Josey Wales, 1976)  * Licencia para matar (The Eiger Sanction, 1975)  * Primavera en otoño (Breezy, 1973)  * Infierno de cobardes (High Plains Drifter, 1973)  * Escalofrío en la noche (Play misty for me, 1971)  Como guionista  * Por un puñado de dolares (Per un pugno di dollari, 2003)     Como productor     * Mystic River (Mystic River, 2003)  * Deuda de sangre (Blood Work, 2002)  * Space Cowboys (Space Cowboys, 2000)  * Ejecución inminente (True Crime, 1999)  * Medianoche en el jardín del bien y del mal (Midnight in the Garden of Good and Evil, 1997)  * Poder absoluto (Absolute Power, 1997)  * Camino de la fortuna (The stars fell on Henrietta, 1995)  * Los puentes de Madison (The Bridges of Madison County, 1995)  * Un mundo perfecto (A Perfect World, 1993)  * Sin perdón (Unforgiven, 1992)  * Cazador blanco, corazón negro (White Hunter Black Heart, 1990)  * Bird (Bird, 1988)  * El sargento de hierro (Heartbreak Ridge, 1986)  * Jinete pálido (Pale rider, 1985)  * En la cuerda floja (Tightrope, 1984)  * Impacto súbito (Sudden Impact, 1983)  * Aventurero de medianoche (Honkytonk man, 1982)  * Firefox (Firefox, 1982)  Como músico (Bandas sonoras)  * Mystic River (Mystic River, 2003)  * Space Cowboys (Space Cowboys, 2000)  * Ejecución inminente (True Crime, 1999)  * Poder absoluto (Absolute Power, 1997)  * Los puentes de Madison (The Bridges of Madison County, 1995)  * Sin perdón (Unforgiven, 1992)  * El sargento de hierro (Heartbreak ridge, 1986)  * Ciudad muy caliente (City Heat, 1984)  * Bronco Billy (Bronco Billy, 1980)

Kevin Spacey admirador de Antón Chéjov

“El motivo de la visita de los actores de teatro y cine John Malkovich y Kevin Spacey y del mundialmente conocido dramaturgo Tom Stoppard es la finalización de las obras de restauración del teatro Chéjov y de la casa del escritor, ‘Biélaya Dacha’“, según un comunicado de prensa de la Corporación Nacional de Patrimonio. El texto agrega que los tres invitados “hace tiempo que profundizaron en la obra de Antón Chéjov“, escritor y dramaturgo ruso de obras tan conocidas como “La gaviota”, “Tío Vania”, “Las tres hermanas” o “El jardín de los cerezos”.

Yalta theatre

El teatro de Yalta fue construido a finales del siglo XIX y contó entre su público con renombrados escritores como el propio Chéjov y Maxim Gorki. A principios del siglo XX el teatro se quemó y se construyó un nuevo edificio, pero en 1944 los nazis le prendieron fuego.Tras la liberación de Yalta el teatro fue reconstruido y bautizado con el nombre de Chéjov. Los trabajos de restauración, llevados a cabo por la Corporación Nacional de Patrimonio, duraron dos años, de marzo de 2006 a marzo de 2008. Según informaciones de algunos medios, en las obras se han invertido cerca de diez millones de euros (unos 14,6 millones de dólares).

Biografia:Kevin Spacey (26 de julio de 1959) es un actor estadounidense. Nació en South Orange, en el estado de New Jersey con el nombre Kevin Spacey Fowler. Fue el hermano menor de los tres hijos de un matrimonio formado por un padre que era redactor técnico, y una madre secretaria. El trabajo del padre motivó que la familia cambiase de residencia en varias ocasiones, viviendo en poblaciones de todas las partes del país.

Finalmente se establecieron en California, donde el pequeño Spacey puso de manifiesto su carácter revoltoso. Sus padres le enviaron por ello a un internado dirigido por militares, de donde fue expulsado a los pocos meses. Ingresó entonces en un colegio del Valle de San Fernando, cercano a Los Ángeles. Desde su niñez su mayor lealtad ha estado siempre dedicada al teatro, con papeles que empezó a interpretar en el instituto y que posteriormente le llevaron a Broadway. Kevin Spacey se formó en la Juilliard School of Drama e hizo su debut en la escena neoyorkina con la producción de Joseph Papp para Central Park «Henry IV, Part I». Su momento más decisivo se produjo cuando en 1986 el director Jonathan Miller escogió a Spacey para interpretar al hijo de Jack Lemmon en la producción de Eugene O’Neill para Broadway «Long Day’s Journey into Night»,” que también interpretó en el Haymarket Theatre de Londres. Entre sus papeles favoritos destacan el de Treplov en «The Seagull» con Colleen Dewhurst (Kennedy Center); Paul en la «Barbarians» de Barrie Keefe (SoHo Rep); y en «Playland» de Athol Fugard (Manhattan Theatre Club). Por su actuación como el Tío Louie en la obra «Lost in Yonkers» de Neil Simon, Kevin Spacey obtuvo el premio Tony al Mejor Actor de Reparto en 1991.Su estrecha asociación con Jack Lemmon continuó cuando compartieron pantalla en la obra de George Stevens Jr. «The Murder of Mary Phagan» para la NBC, la película de Gary David Goldberg «Dad» para la Paramount, y la adaptación de David Mamet para la pantalla grande de Éxito a cualquier precio (Glengarry Glen Ross), en la que aparecía junto a Al Pacino, Ed Harris y Alec Baldwin.     En 1995, el público del cine descubrió a Spacey con tres interpretaciones muy distintas: como Buddy Ackerman en la película de George Huang El factor sorpresa (Swimming With Sharks); como Verbal Kint en Sospechosos habituales (The Usual Suspects) de Bryan Singer; y como John Doe en Seven, de David Fincher. Kevin Spacey ha seguido una carrera impecable, con películas como L.A. Confidential, Medianoche en el jardín del bien y el mal, Negociador (The Negotiator), Hurlyburly, Looking for Richard, El pez gordo (The Big Kahuna), K-Pax, Atando cabos (The Shipping News), La vida de David Gale, Superman Returns y American Beauty. Muchas de estas actuaciones le han sido reconocidas con premios y nominaciones, incluidos dos premios de la Academia al Mejor Actor Secundario por Sospechosos habituales y al Mejor Actor por American Beauty, película por la que también recibió el premio del Sindicato de Actores y un BAFTA al Mejor Actor de la Academia Británica. En 1998, volvió al escenario con el clásico de Eugene O’Neil «El repartidor de hielo», dirigido por Howard Davis. La producción empezó en el Almeida Theatre de Londres y fue posteriormente llevada al Old Vic Theatre y a Broadway. Gracias a su interpretación de Hickey, ganó el premio del Evening Standard y el premio Laurence Olivier al Mejor Actor. El trabajo de Kevin Spacey en televisión incluye siete episodios en la serie de la CBS «Wiseguy», y el papel de Clarence Darrow en la película de PBS/American Playhouse «Darrow». Kevin Spacey se estrenó en la dirección con la película de Miramax Albino Alligator, protagonizada por Matt Dillon, Gary Sinise, Faye Dunaway y Viggo Mortensen, y más recientemente, dirigió e interpretó el papel de Bobby Darin en la película Beyond the sea, para Lions Gate, junto a Kate Bosworth. Esta actuación le granjeó una nominación al Globo de Oro al Mejor Actor. También fue nominado a un premio Grammy por la banda sonora. Kevin Spacey formó Trigger Street Productions en 1997, que produjo «El repartidor del hielo». Entre los largometrajes producidos por Trigger Street se incluyen El pez gordo (The Big Kahuna) protagonizada por Danny DeVito, El mundo de Leland (The United States of Leland), protagonizada por Don Cheadle y Ryan Gosling, y The Sasquatch Dumpling Gang, que ganó el premio del Festival de Cine de Slamdance y el premio al Mejor Actor y Mejor Director en el Festival de Cine de Comedia de Aspen. Trigger Street también ha producido Fanboys junto a la Weinstein Company, que será distribuida por MGM esta primavera. Una nueva división de la sociedad, Trigger Street Independent, produjo Bernard and Doris, protagonizada por Susan Sarandon y Ralph Fiennes y dirigida por Bob Balaban, que se estrenó recientemente en el canal HBO. En noviembre de 2002, Spacey y su socio Dana Brunetti lanzaron TriggerStreet.com, una comunidad virtual para cineastas y guionistas; un sitio interactivo cuyo fin es descubrir y promocionar talentos nuevos y excepcionales. Budweiser Select patrocina el sitio Web junto a Real Networks. En sólo cuatro años, el sitio ha conseguido tener 200.000 miembros registrados de todo el mundo, y recibe unas 15 millones de visitas cada mes. Entre sus trabajos más recientes, Kevin Spacey ha intervenido junto a Vince Vaughn y Paul Giamatti en la comedia de Warner Brothers Fred Claus, y hace poco terminó el rodaje de la película para la HBO Recount, la historia del polémico recuento de Florida durante la elección de Bush y Gore, dirigida por Jay Roach y producida por Sydney Pollack, Paula Weinstein y Trigger Street Productions. Además, interpreta un papel en la película británica de Nick Moran Telstar, junto a Pam Ferris y Con O´Neill. Próximamente aparecerá en el Old Vic, en la producción de Matthew Warchus sobre la obra de David Mamet «Speed-The-Plow».   American Baauty, 1999  Spacey es sin duda uno de los grandes actores de carácter americanos de nuestros días. Ha ganado dos Oscar, uno como mejor actor de reparto y otro como mejor actor principal, este último por American Beauty en 1999. Recientemente, Spacey ha sido nombrado director artístico del teatro Old Vic en Londres, uno de los teatros más prestigiosos de lengua inglesa. Allí dirigirá una nueva compañía teatral, que actuará durante ocho meses al año, y de la que Spacey será también actor, además de director. Desde que puso en marcha esta nueva compañía en 2004, ha colaborado en las producciones de «National Anthems», «The Philadelphia Story», «Richard II» (dirigida por Trevor Nunn) y recientemente «Moon for the Misbegotten», dirigida por Howard Davis, que fue llevada a Broadway la pasada primavera. The Old Vic está involucrado muy activamente en el trabajo educativo y para la comunidad, utilizando las herramientas y a los artistas de teatro para gente joven, así como su vasto programa para artistas en formación, Old Vic/New Voices. La compañía disfruta actualmente de su cuarta temporada con una adaptación de «Todo sobre mi madre» de Pedro Almodóvar, y el estreno próximo de «Cinderella», escrita por Stephen Fry.

Filmografía

Men Who Stare at Goats (Comedia-Drama – 2010): Dirigida por Grant Heslov y protagonizada por George Clooney, Ewan McGregor, Kevin Spacey, Jeff Bridges, Rebecca Mader Superman: El hombre de acero (Acción-Aventuras – 2009): Dirigida por Bryan Singer y protagonizada por Kevin Spacey Shrink (Drama – 2009): Dirigida por Jonas Pate y protagonizada por Kevin Spacey, Dallas Roberts, Keke Palmer, Jack Huston, Pell James, Robin Williams, Saffron Burrows, Laura Ramsey 21: Black Jack (Drama – 2008): Dirigida por Robert Luketic y protagonizada por Kevin Spacey, Jim Sturgess, Kate Bosworth, Laurence Fishburne, Liza Lapira, Aaron Yoo, Jacob Pitts Telstar (Drama-Musical – 2008): Dirigida por Nick Moran y protagonizada por Kevin Spacey, Nick Moran, Pam Ferris, James Corden, Shaun Evans, Jon Lee, Nigel Harman, Justin Hawkins Fred Claus, El hermano capullo de Santa Claus (Comedia – 2007): Dirigida por David Dobkin y protagonizada por Vince Vaughn, Paul Giamatti, Miranda Richardson, Elizabeth Banks, John Michael Higgins, Rachel Weisz, Kathy Bates, Kevin Spacey, Chris “Ludacris” Bridges, Bobb’e Thompson Superman Returns (Acción-Aventuras – 2006): Dirigida por Bryan Singer y protagonizada por Brandon Routh, Kate Bosworth, Kevin Spacey, James Marsden, Hugh Laurie, Sam Huntington, Eva Marie Saint, Kal Penn Ciudad sin ley (Thriller – 2005): Dirigida por David Burke y protagonizada por Morgan Freeman, Kevin Spacey, Justin Timberlake, LL Cool J, Dylan McDermott, John Heard, Cary Elwes, Roselyn Sanchez, Damien Wayans, Garfield Wilson, Marco Sanchez Beyond the sea (Drama – Musical – 2004): Dirigida por Kevin Spacey y protagonizada por Kevin Spacey, Kate Bosworth, John Goodman, Bob Hoskins, Brenda Blethyn, Greta Scacchi, Caroline Aaron, Peter Cincotti, Michael Byrne, Matt Rippy, Gary Whelan, William Ullrich La vida de David Gale (Drama – 2003): Dirigida por Alan Parker y protagonizada por Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney El mundo de Leland (Drama – 2003): Dirigida por Matthew Ryan Hoge y protagonizada por Don Cheadle, Ryan Gosling, Chris Klein, Jena Malone, Lena Olin, Kevin Spacey, Michelle Williams, Martin Donovan, Ann Magnuson K-Pax (Drama – 2001): Dirigida por Iain Softley y protagonizada por Kevin Spacey, Jeff Bridges, Mary Mccormack Cadena de favores (2000) actor El pez gordo (1999) actor American Beauty (1999) actor Criminal y decente (1999) actor Negociador (1998) actor Hurlyburly (1998) actor Albino Alligator (1997) Director L.A. Confidential (1997) actor Medianoche en el jardín del bien y del mal ( 1997 ) actor Tiempo de matar (1996) actor Looking for Richard (1996) actor La trampa del caimán (1996) Director Sospechosos habituales (1995) actor Seven (1995) actor Estallido (1995) actor Voluntad de hierro (1993) actor Esto (no) es un secuestro (1993) actor Dobles parejas (1992) actor Éxito a cualquier precio (1992) actor Bajo otra bandera (1990) actor Mi padre (1989) actor Rocket Gibraltar (1988) actor Armas de mujer (1988) actor Se acabó el pastel (1986) actor

 

La Magia del Cine o Cinema Paradiso

Hay veces que la vida te sorprende en “coincidencias mágicas” por intentar definirlas de alguna forma comprensible. El que escribe no es adicto a supercherías ni creo en cosas no demostrables, así pues lo que voy a narrar es totalmente cierto aunque pienses que el anonimato que cobija la red tiente a contar embustes. Hace algún tiempo tenía un amigo que era tan aficionado al cine como yo . Un día me regalo una película en el viejo formato VHS, el titulo era Cinema Paradiso de Giussepe Tornatore, por supuesto la conocía, sabía que fue una de las películas más galardonadas de 1988, su principal premio fue el Oscar de Holywood, pero también fue premiada en festivales como el de Cannes dónde su director obtuvo el premio especial del jurado, o el festival de Berlín de 1990 dónde la película se llevo el premio a la mejor película extranjera, pero nunca tuve la oportunidad de visionarla. Esa tarde cuando la ví, quedé maravillado, porque es un homenaje al séptimo arte, a sus actores, actrices, directores y también a la vida de Italia en la segunda mitad del siglo XX. Todo está engarzado y adicionado con una cuidada fotografía y con música creada ex profeso por un grande, Ennio Morricone.Cinema Paradiso habla principalmente de sentimientos y lo hace de una forma bella y positiva, habla de la amistad, remitiéndonos a una historia casi paterno-filial entre Totó y Alfredo, en esta relación el cariño es tan grande que uno de los personajes está dispuesto a renunciar al otro para que este pueda ser todo lo que potencialmente es capaz. También habla de amor con una historia que se tuvo que convertir en platónico una vez que ya había sido empírica, me refiero a la relación entre Elena ( Agnese Nano ) y Totó ( Marco Leonardi ). Una relación de amor verdadero en la que los dos realmente se querían. Una relación entre Madre e hijo lo suficientemente fuerte que no sea necesario comentar las cosas para que ambos sepan lo que pasa por la mente de cada uno.

Totó ( Marco Leonardi ) y Elena ( Agnese Nano )

Elena es el amor de Totó. Es la hija del banquero del pueblo y al principio se hace de rogar. Tiene unos inmensos ojos azules los cuales son considerados como peligrosos. Al fin decide irse con Totó pero es complicado que su relación fructifique porque son presos de sus familias y Elena tiene que irse constantemente junto con su padre. Totó siempre recordará a Elena como su gran primer amor, pero el único recuerdo que tendrá de ella serán unos metros de celuloide. Resulta especialmente emotiva la última escena donde se ven fragmentos de película, todos ellos son besos, si besos censurados por la dictadura italiana de la época y que el viejo Alfredo ( Philippe Noiret ) guardó para su niño que después de morir hizo llegar al Toto adulto ( Jacques Perrin ) en una vieja lata.

pero lo que hace que adquiera otra dimensión en su significado pues no sólo muestra el sueño, sino el efecto del sueño. El cine al igual que la literatura y la música es en la mayoría de las ocasiones un arte generoso, pues da todo lo que tiene sin esperar que se le de respuesta. En esta película se ofrece al creador respuesta. Se le muestra como reacciona y como siente su arte el público. Esta es una de esas películas que te hacen reconciliarte con el cine. Es una película que rezuma amor por el cine por los cuatro costados. Tiene amor en la historia pero también tiene amor en lo que rodea la historia. La película es un homenaje al nacimiento de los sueños. El nacimiento del sueño en la persona y a la recepción por parte del público del sueño del cine en cada uno de nosotros.

Hasta aquí todo es normal disfruté de una grandiosa película que me dejó una grata huella en mi. Esa misma noche acudí a mi trabajo, por aquel entonces dirigía la imagen y publicidad de un local lúdico cultural en el mismo centro histórico de Valencia que celebraba una fiesta con motivo de la mostra de Valencia. Atendí a invitados y amigos y por un casual Kike Pascual, un conocido fotógrafo y bohemio me preguntó: ” Sabes quien es esa chica tan atractiva que hay allí ?” yo le contesté que me sonaba su cara pero no sabía. y con toda naturalidad me respondió ” pues es Agnese Nano la actriz de Cinema Paradiso.

Agnese Nano y GZLo ( el que escribe ).

La “señal” de Ricardo Darín

 

No recuerdo en cual película ví por primera vez a Ricardo Darín, pero nunca olvidaré el día que lo conocí personalmente. Fue una tarde en medio de enero paseando con un amigo por el centro de Valencia cuando alguien me saludó, es muy normal que a veces correspondas un saludo a gente que no recuerdas quien es, pero en esta ocasión era alguien que conocía, pero no podía imaginar que era Ricardo Darín. acompañado por un hombre que ni tan siquiera miré su cara. Pasaron unos minutos cuando sentí un flash y lo reconocí, era el!!!. En ese momento no sabía exactamente cuantas películas había visto de Darín  aunque si recordaba una “el hijo de la novia“ de José Campanella. Pero porque me saludó el ?, que hacía este actor argentino en Valencia ? Mi amigo acreditaba más por mi emoción que por mis palabras. Al llegar a casa llamé a Salva, otro amigo que es casi más cinéfilo que yo, le conté lo sucedido y sin asombro me respondió que Ricardo actuaba en  un teatro de la ciudad. Sin dudar saqué dos entradas y acudí al teatro Olympia al día siguiente. La obra se llamaba Art de Yasmina Reza , es una comedia que ha ganado innumerables premios en Europa. La verdad es que me gustó muchísimo sin contar con el interés que me provocaba ver a mi “amigo” en vivo. El tema principal de Art es la amistad aderezada de ideas que hace que el  espectador se cuestione ciertos valores ante los conflictos que plantea la obra. Tambien quiero destacar una frase muy divertda de la obra: “Si yo soy yo porque yo soy yo, y tú eres tú porque tú eres tú, entonces yo soy yo y tú eres tú. Pero si yo soy yo porque tú eres tú, y tú eres tú porque yo soy yo, entonces ni yo soy yo ni tú eres tú.”Al terminar la función mi mente sólo pensaba en esperar a que Ricardo saliera del camerino, así pues lo esperé a la salida en la cafetería del teatro. Mi amigo me miraba con cierta comprensión ante mi excitación casi infantil. Había más gente esperando a los tres actores que protagonizaban Art con la intención de conseguir un autógrafo y hacerse una foto con ellos y principalmente con Ricardo Darín ya que es el más conocido. Cuando apareció le rodearon un pequeño grupo de fans y como una si de una señal se tratara, levantó su mirada de entre ellos y de nuevo me miró y saludó. Yo ante mi perplejidad miré a mi compañero para confirmar el gesto del actor, esperé hasta que se fueran sus seguidores y aproveché para poder dirigirme a el. Al acercarme sentí en su mirada que me conocía pero sabía que me confundía quizá con alguien parecido a mi, le felicité por la obra y pregunté si quería tomar una copa con nosotros, a lo que me respondió con naturalidad que estaba cansado y prefería ir a su hotel. Me firmó el tríptico de la obra que llevaba en mi mano y se despidió “hasta la próxima“, yo pensé… hasta la próxima película, porque sería muy raro volver a encontrarme con el.

Durante un tiempo fuí visionando todas las películas de su extensa filmografía y de esta forma ahora es uno de mis actores preferidos.Hijo de actores,  Ricardo Daín nació un 16 de Enero de 1957 en Buenos Aires y diez años después ya debutaba en el teatro, en una obra que intervenían sus padres. En seguida comenzó en televisión. Su primera aparición en el cine fue en 1979 con “ La carpa del amor”. En 1996 recibe el premio ACE como mejor actor dramático y el “Estrella del mar” al año siguiente. Art es representada por primera vez en 1998 y un año después recibe el “Condor de plata” por “el mismo amor, la misma lluvia” en el 2000 es protagonista de “nueve reinas” recibiendo varios premios por su brillantísima interpretación de un buscavidas sin escrúpulos. al año siguiente estrena “ el hijo de las novia” donde se consagra como un gran actor y recocido por el público español. “Kamchatka” se estrena en el 2002 y tienen que pasar dos años para dar a luz “luna de Avellaneda” hasta llegar al 2005 que además de seguir con la gira de Art en España rueda a su vez ·La educación de las hadas” de Jose Luis Cuerda.

Los tres actores de Art, Ricardo Darín, German Palacios y Jose Luis Mazza

Es en el 2007 cuando por primera vez dirige un largometraje “La Señal”.    El debut de Ricardo Darín como director es resultado, como él mismo ha manifestado a los medios, de una herencia y un gesto de amistad. No es un dato irrelevante. “La señal” es un proyecto que  Eduardo Mignogna, director argentino y autor de la novela del mismo nombre, no pudo terminar de llevar a cabo porque la muerte lo sorprendió a principios de octubre de 2006, semanas antes del inicio de su rodaje. Fue entonces que Darín, gran amigo del difunto realizador y protagonista de varias de sus películas (“La fuga“, “El faro del sur”) decidió asumir la responsabilidad de hacerse cargo de la dirección del film, en conjunto con  Martín Hodara. Como explicó al periodismo, su compromiso con el largometraje excedía lo ordinario y sintió, a la hora de decidir hacerse cargo del desafío, una especie de “legado moral”: dirigir esta película se había transformado en el gesto que debía realizar para culminar un sueño que compartió junto a Mignogna, primero como su actor, luego como su reemplazante. Esta es la parte de una trama que no se ve, la que no aparece en pantalla. Toda película tiene la suya, pero pocas comparten el peculiar acontecimiento que define a la protagonizada en los roles principales por el propio Darín, Diego Peretti  y Julieta Díaz.Para comenzar a hablar de lo que sí se ve, puede decirse que “La señal” es un film cuya historia cuenta con una suma de elementos poco frecuentes en el cine argentino. No es habitual encontrar filmes argentinos protagonizados por detectives privados, que giren en torno a la mafia y, por consiguiente, incluyan asesinatos a sangre fría, una buena cuota de misterio, y tengan como móvil de la trama la venganza. En este último asunto, justamente, el de la venganza, se pone en evidencia uno de los puntos fuertes de la cinta: la inteligencia con la que está enarbolada la trama. Porque pese a que es la venganza el factor que otorga sentido a la mayoría de los sucesos de la historia, se trata de la venganza de alguien que apenas si aparece en alguna imagen, de alguien que, en definitiva, no tiene una línea de diálogo en pantalla.

La cámara y la historia se sitúan desde otro punto de vista, el del Pibe Corvalán, un detective privado que no siente mucho su oficio pero que de a poco, mujer de por medio, se va involucrando en una historia que en principio lo tiene como testigo y luego, a pesar suyo, como protagonista.El largometraje está correctamente ambientado en la Buenos Aires de la década de los 50, precisamente en 1952, años de peronismo, año en el que todo un pueblo sufre con la agonía y posterior muerte de su mayor emblema, Eva Perón. Esa es una época de personas diferentes, una época con códigos distintos a los actuales. Toda esta representación está muy cuidada, luce pintoresca, y se materializa tanto en la vestimenta de los personajes y en su lenguaje, como en la manera de relacionarse entre sí. La excelente composición de los protagonistas es fiel a ese momento de la historia. Tal vez sea Santana, el socio de Corvalán interpretado con inspiración por Diego Peretti, el que mejor encarne al prototipo de personaje de aquellos años: formal, fiel, reservado, amigo en las buenas y en las malas. El vínculo entre los dos protagonistas, la manera que encuentra la película de comunicar el lazo amistoso que les une, es uno de sus puntos más destacados e interesantes.

Diego Peretti, excelente actor argentino ahora más conocido en España por la serie de TV “Cuestión de sexo”

Se trata, en definitiva, de un film que da gusto seguir mirando, que cuenta con una visualidad envolvente y que presta especial cuidado a todos sus aspectos técnicos. Puede percibirse en “La señal”, cuadro por cuadro, el amor y enorme respeto que Darín siente por el original pensador de la historia y del proyecto, Mignogna. Y también hay que mencionar otra presencia, visible en ciertas huellas, de otro director influyente en Darín recientemente fallecido: Fabián Bielinsky (“El aura“, “Nueve reinas”), que especialmente puede detectarse en el manejo de los tiempos narrativos y la búsqueda de atmósferas.“La señal” no puede considerarse un proyecto sobre el que Darín haya tomado en plenitud las decisiones creativas, estéticas y expresivas de la misma forma en que lo hubiera hecho si se tratara de un emprendimiento personal que implicara su más genuina necesidad de contar algo y de materializar todo eso bajo la forma de una película.

Y por último necesito destacar la aparición o cameo en el film de Carlos Bardem, hermano del oscarizado Javier, el cuál me une también una extraña coincidencia. Carlos publicó un libro en el 2002 “ Buziana o el peso del alma” al que el mismo define como una “obra dramática compuesta de Loa castiza y melódramón tropical ( en cuatro actos )”.El argumento nace cuando Jorge, estrella del cine español goza de un extraordinario éxito. Por el contrario su hermano Diego huye de la tempestuosa relación que mantenía con su padre a Brasil donde regenta una taberna situada en una playa de Buzios, delicia de una aristocracia local  de medio pelo , refugio de prostitutas y narcos que han proliferado en la sombra de la corrupción policial. Allí Diego vende cocaina para mayor beneficio del mafioso del lugar.Allí, Diego vende cocaína para mayor beneficio del mafioso del lugar, don Faria. Y llega el día en que las cosas se complican de verdad, Diego se mete en un lío por culpa de una mulata y don Faria desentierra el hacha de guerra, hecho este que coincide con la visita sorpresa de Jorge a su hermano y con la muerte del padre de ambos.El reencuentro servirá para que juntos repasen dolorosamente sus vidas, y también desencadenará una explosiva combinación de casualidades y peripecias en las que el amor, la acción y la redención jugarán a partes iguales un papel definitivo en la resolución de la trama.

Carlos Bardem

Buzios es un lugar costero precioso, inmerso en la región de cabo frío al norte de Rio de Janeiro. El que escribe estuvo allí en 1987, cuatro años maravillosos residí en ese gran país que es Brasil, pero lo más alucinante es que pretendí y soñé comprar un bar allí mismo, en Buzios con un amigo, pero por culpa de la indecisión de mi socio no pude realizarlo.Mi gran sueño lo materializó Carlos Bardem ya que su libro esta basado en experiencias personales y también vivió  cuatro años en el mismísimo Buzios.        GZLo